Recuerda las fotografías que, gracias a su paleta de colores, realmente te impresionaron, clavaron tus ojos en sí mismas. Además, la presencia de tonalidades brillantes no es en absoluto necesaria, estas fotografías destacan entre otras por la proporción de colores que construye directamente el fotógrafo.
Para utilizar y beneficiarse de todos los innumerables tonos de colores, debemos tener una buena comprensión de la teoría del color. En este artículo, hemos esbozado brevemente para usted los postulados básicos de la teoría del color.
Empecemos con lo básico. círculo de color
Lo más probable es que hayas escuchado más de una vez sobre la existencia de la rueda de colores, quizás hayas estudiado su estructura en la infancia en lecciones de dibujo. Te invitamos a repasar tus conocimientos.
Necesitamos una rueda de colores para comprender cómo interactúan los colores entre sí, cómo se combinan. Para eso fue creado.
Dentro de la rueda de colores, hay colores primarios, secundarios y terciarios que juntos forman el espectro de colores. Gracias a esta separación, es mucho más fácil considerar la relación entre los colores. Todos los colores originales son los más brillantes del espectro, agregándoles el color blanco, obtenemos tonos pastel más claros, agregando negro, obtenemos colores en colores oscuros respectivamente.
Ahora veremos los colores primarios, secundarios y terciarios.
colores primarios
Los colores básicos más básicos son el rojo, el amarillo y el azul. mezclándolos en diferentes proporciones, obtenemos todos los demás colores del espectro, y al agregar blanco y negro, obtenemos sus tonos adicionales.
Colores complementarios
Los colores complementarios (en otras palabras, complementarios) son secundarios, es decir, creado mediante la combinación de dos primarios. En el círculo cromático, se ubican frente al color primario, que no contienen.
- Rojo + Amarillo = Naranja (color complementario - Azul)
- Amarillo + Azul = Verde (color complementario - Rojo)
- Azul + Rojo = Violeta (color complementario - Amarillo)
Obtenemos placer estético cuando vemos en la imagen, fotografías de colores que se complementan entre sí. La paleta correcta de colores puede aumentar significativamente efecto visual. En fotografía, al combinar colores complementarios, obtenemos contraste, lo que le da más dinamismo a la imagen.
Al fotografiar, trate de buscar estos colores más complementarios a su alrededor. Pronto los notarás en todas partes.
Utilice la teoría de la rueda de colores durante el rodaje en escena, al componer.
Y a la hora de hacer retratos, esta teoría no será menos útil. En cualquier foto, los colores deben combinarse, verse armoniosos. Al elegir un atuendo para una modelo, piense en qué fondo la disparará y, en función de esto, elija el color de la ropa. Por ejemplo, una modelo con un vestido amarillo se verá muy impresionante sobre un fondo azul o morado.
Colores similares
Estos son los colores uno al lado del otro en la rueda de colores.
Por ejemplo, tomemos el verde y el azul verdoso, estos colores son similares, como el amarillo verdoso. Su combinación da una sensación de calma, armonía.
Colores cálidos y fríos
El círculo cromático suele dividirse en colores cálidos y fríos. Colores cálidos son: rojo, amarillo, naranja. Frío, respectivamente: verde, azul y morado. Los diseñadores de interiores utilizan muy a menudo las propiedades del frío y Colores cálidos. Los colores fríos pueden agrandar visualmente el espacio, mientras que los colores cálidos dan una sensación de comodidad en el hogar.
Estos hechos también se pueden aplicar a la fotografía. Al crear una composición, para un objeto cuyo color se pueda atribuir a cálido, busque el fondo del opuesto, es decir. color frio Esto agregará dramatismo a la foto. Sin embargo, los objetos de colores fríos no siempre se ven armoniosamente contra un fondo cálido.
Conociendo y comprendiendo la física del color, su psicología, la capacidad de combinación, puedes crear fotografías expresivas, espectaculares, que llamen la atención del espectador. Es el color que crea todo el ambiente de la foto y resalta un objeto del resto.
Un fotógrafo que toma retratos profesionalmente debe estar familiarizado con una ciencia como la coloración. Es muy importante conocer al menos los conceptos básicos de la ciencia del color: qué tonos se llevan bien entre sí y cuáles nunca.crear armonía.
A continuación daremos algunos bonitos consejos simples, cuyo conocimiento ayudará en diseño armonioso retrato. Rojo, amarillo, azul… O lo que necesitas saber sobre el color
Entonces, ¿qué necesitas saber sobre la naturaleza del color? En primer lugar, para sistematizar los tonos, las personas crearon un modelo de color simple o, en otras palabras, círculo de color. Se divide en tres partes principales, correspondientes a los colores básicos: azul, rojo y amarillo (el conocido principio de color CMYK). Aquí vale la pena recordar la primera regla: para cada color primario, los otros dos son opuestos. saliendo circuito sencillo: el azul se opone al rojo y al amarillo; amarillo - azul y rojo, y rojo "no le gusta" amarillo y azul.
Es bastante lógico que los colores primarios creen un par contrastante con los colores secundarios y mixtos. Entonces, el rojo con el verde (que es una mezcla de azul y amarillo) al estar uno al lado del otro, se refuerzan mutuamente. Exactamente de la misma manera, el azul y el naranja, el amarillo y el morado actúan en relación unos con otros. Los colores terciarios se crean mezclando colores base con colores secundarios. Por ejemplo: rojo-violeta "ciruela", azul-verde "queroseno", etc. Pero las reglas para combinar colores terciarios con cuaternarios son bastante complicadas.
Cuando se trabaja con el balance de blancos, es extremadamente importante recordar la división condicional de los tonos en "fríos" y "cálidos". Además, vale la pena considerar que los colores opuestos pueden bloquearse entre sí. Por ejemplo, en frío color azul los tonos amarillentos se distorsionan, adquiriendo un color "terroso", y en la iluminación rojiza pierde sus cualidades color verde- simplemente se desvanece. Todos estos matices son muy importantes para un fotógrafo que trabaja con retratos en color. Muchos maestros no le dan importancia al orden en que se realizan los cambios: pueden realizarlos en el proceso de preparación para la toma, durante la sesión de fotos o en el procesamiento posterior. Sin embargo, hay una serie de principios que deben observarse:
Las sutilezas del maquillaje profesional.
Tradicionalmente, los colores fríos se usan más en el maquillaje, lo que se debe a la peculiaridad de los cálidos: los tonos rojizos "cálidos" a menudo le dan al modelo un aspecto poco saludable (un ejemplo muy vívido son los ojos "inflamados" por las sombras rojas). Sin embargo, hay que tener en cuenta que las sombras de ciertos tonos fríos (especialmente la gama de verdes) también pueden estropear las fotografías, acentuando el enrojecimiento de los ojos de la modelo. En este caso, si el popular Vizin no está disponible, es mejor no usarlo. solucion optima habrá una selección de sombras de sombras neutras, grises y plateadas.
Puede parecer que el dominio de la escala fría es la regla sin excepción. Sin embargo, no lo es. Por ejemplo, los tonos de lápiz labial ciruela, lila y púrpura son muy indeseables de usar si los dientes de la modelo no brillan con la blancura de Hollywood. Aquí debe recordarse que el tinte azulado en el efecto de contraste solo enfatiza el amarilleo. En tales situaciones, el retoque ya no es suficiente. Con dientes imperfectamente blancos, es mejor elegir tonos más cercanos a la terracota, el bronce o el chocolate.
Cualquier color que tenga un tinte amarillento también es adecuado: melocotón, rosa bronce, dorado, etc. El rojo se considera un color clásico porque nunca falla en cuestiones de maquillaje profesional para fotografía. Si el rojo prevalece en el tono de piel de la modelo, se utilizan correctores especializados, incluidas partículas de pigmento verdoso. Esta técnica permite "bloquear" la imperfección de la piel.
Todas estas reglas de coloración de "retratos" son extremadamente importantes para un fotógrafo que trabaja en un estudio, incluso si tiene un maquillador profesional en su personal. La participación de un estilista es muy deseable, ya que una de sus tareas de trabajo es crear un conjunto que sea armonioso en color. Un buen maquillador no solo seleccionará los tonos "correctos" de los cosméticos, sino que también podrá aconsejar qué elementos de color usar para complementar la imagen. Si no hay un maquillador profesional en el set, y el maquillaje lo realiza la propia modelo u otra persona, es necesario Atención especial dar esquema de colores instantánea. ¡Le deseamos buena suerte en su trabajo y en la creación de retratos armoniosos!
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¿Por qué tantas personas optan por crear tomas artísticas en blanco y negro en lugar de en color? ¿Los colores restan valor al tema, como dice la mayoría, incluyéndome a mí en el pasado reciente? Ahora responderé "no", no cuando el color se use cuidadosamente y con la intención de enfatizar el tema.
El año pasado, cuando comencé a experimentar con el color después de producir exclusivamente fotografías en blanco y negro A lo largo de los años, he querido explorar mis opciones creativas y descubrir por qué el color no funciona tan bien como el blanco y negro en fotografía artística. Porque estaba seguro de que era sólo un mito. ¿Por qué, entonces, casi todas las pinturas de artistas famosos en la historia del arte están creadas en color y resuenan en tanta gente, incluyéndome a mí?
Ahí es donde comencé mi investigación: al estudiar a los artistas me encanta entender más sobre cómo usaban el color.
Durante siglos, los artistas han utilizado los colores de forma muy consciente y manera efectiva basado en la teoría del color. Si está familiarizado con la rueda de colores y los esquemas de colores, entonces conoce las combinaciones armoniosas, como los colores complementarios, triádicos y análogos.
Como fotógrafos, podemos aprender mucho de artistas famosos. Es posible que ya conozca la iluminación de Rembrandt, que es el triángulo de luz distintivo justo debajo del ojo en la fotografía de retratos, llamado así por el gran pintor holandés Rembrandt. Y puede que estés familiarizado con el término claroscuro, que es un uso dramático del contraste de luces y sombras, y fue acuñado por el artista italiano Caravaggio. Pero, ¿alguna vez has notado la limitada paleta de colores en las pinturas de Rembrandt? ¿O cómo usó Da Vinci "sfumato", que deliberadamente difumina los contornos y desvanece el color para crear una sensación de profundidad? Se pueden obtener muchas otras ideas de grandes artistas, como el uso de colores complementarios brillantes de Van Gogh colocados uno al lado del otro para atraer la atención, o la técnica de Vermeer de usar colores complementarios de intensidad media para lograr un efecto más sutil.
Dado que siempre he admirado la paleta limitada de Rembrandt, mi uso del color está inspirado en su trabajo. Esta no es la única forma correcta, es solo mi preferencia, por lo que si prefiere un esquema de color diferente, intente usarlo.
Después de estudiar el trabajo de Rembrandt y otros grandes artistas, he identificado tres secretos para realzar una composición y capturar efectivamente la atención del espectador dentro de esa composición a través del color:
En primer lugar, el uso del contraste selectivo en las altas luces.(Esta regla también se aplica a fotografía en blanco y negro). Si tu objeto principal la composición tiene el mayor contraste en las luces, entonces el ojo se sentirá atraído por ella, porque el ojo humano siempre se precipita a las áreas con el mayor contraste en luces y sombras.
En segundo lugar, el uso del contraste selectivo en el color. Use los colores más contrastantes en su tema principal para que el ojo se dirija allí. Los ojos buscan el contraste, por lo que colocar colores contrastantes uno al lado del otro llamará la atención sobre esa área en particular. Si usa colores complementarios (colores opuestos en la rueda de colores), este efecto se magnificará.
En tercer lugar, el uso de la saturación selectiva. Cuanto más saturado esté el color, más se atraerá la atención a esta área. Esto significa que el lugar donde desea llamar la atención del espectador debe estar más saturado que el resto de la imagen.
En fotografía, como en pintura, existen formas de afinar el control sobre diferentes áreas de la imagen en el posprocesamiento. Al asegurarse de que el contraste más alto de los tres elementos (luz, color y saturación) esté enfocado en el sujeto principal y el área que lo rodea, puede estar seguro de que la atención del espectador se verá atraída hacia él con la misma eficacia que si usara líneas guía. en una composición. .
¿Cuál es mi enfoque de la fotografía en color basado en una preferencia por colores? Si observa mis fotografías en color, verá que uso un esquema de color analógico combinado con algunos colores complementarios divididos para mejorar la composición. El contraste más alto en saturación, luz y color siempre se concentra en el objeto principal y el área que lo rodea. Además, uso "sfumato": colores que están más alejados del foco, más desvaídos y menos contrastantes. Esto hace que los detalles no se noten tanto, a punto de desaparecer casi por completo, y crea así una perspectiva atmosférica y de gran profundidad. También verás que uso muchos colores neutros.
Cuando mires las pinturas de Rembrandt, verás que los colores son más ricos, más brillantes y más contrastantes en las caras de sus retratos (las áreas sobre las que quiere llamar tu atención). Utiliza muchos tonos de marrón combinados con negro y gris en el fondo y en cierta medida en la vestimenta de las personas. Esto se debe a que el ojo se aleja de los colores neutros. El uso de colores neutros también le da un aspecto tranquilo y pacífico a la imagen, así como un lugar donde "descansa" el ojo. El negro, el blanco, el gris y el marrón se consideran colores neutros. Los tonos de gris o una combinación con tonos de otro color también se consideran colores neutros.
Su uso en combinación con contrastes, colores ricos atraerá efectivamente la atención del espectador y creará tensión en el borde de su intersección. ¿Qué hizo Rembrandt tan bien? Por otro lado, el uso de colores complementarios muy específicos e intensos uno al lado del otro creará cierta ansiedad, y Van Gogh usó este efecto en muchas de sus pinturas.
Finalmente, evite la tentación de saturar globalmente todos sus colores. En su lugar, desarrolle un concepto de color para su imagen y sea el mismo artista que usa la luz, el color y el contraste de manera inteligente.
¿Cómo aprender a trabajar con el color en fotografía? 23 de enero de 2015
Una pregunta candente. Y debo decir que si no sientes el color, un enfoque formalizado no hará el trabajo por ti. Sin embargo, podría ayudar.
Allí vivió Johannes Itten. Y escribió el libro "El arte del color".
Entre otras cosas, inventó su propia rueda de colores. Doce bits.
Acerca de cómo se diferencia del círculo óptico, puede leer de mi amigo y colega Andrey Zhuravlev.
Él, sobsna, aquí hay un círculo. Por cierto, no puedes burlarte de que el amarillo cálido no se llama siena, sino turquesa cian. Es importante que hablemos de lo mismo aquí, así que seamos así. convenciones aceptar.
Hay una aplicación popular para Flash: Adobe Kuler. Y nunca deben usarse. El hecho es que solo se implementa un círculo óptico, lo cual es correcto desde el punto de vista de la física y el espectro real (RGB). Y este círculo es sobre otra cosa. En todo caso, está hecho por artistas para artistas.
El amarillo está a la vanguardia: es el más claro y no se puede obtener mezclando otros colores más oscuros. El amarillo es parte de la tríada primaria (RYB). También incluye azul y rojo. Al mezclar colores primarios, obtenemos una tríada secundaria: verde, naranja, morado.
La disposición de las flores en el círculo no es casual. Cada color puro tiene un tono "nativo". El tono es brillo, no tiene nada que ver con el tono (sobre conceptos, sí). El amarillo es el más claro y está en la parte superior. Violeta, el más oscuro, opuesto al amarillo y en la parte inferior. Estos son dos colores puros que no tienen un tono "hermano". Si dibuja un eje vertical en el medio del círculo, los hermanos se mirarán entre sí, como en un espejo. El tono es igual a pura sientha y herbal, verde y naranja, etc.
Los colores opuestos se llaman complementarios o complementarios.
Itten, entre otras cosas, destacó tipos de contrastes con esta misma madre.
Estamos acostumbrados al hecho de que la palabra "contraste" se refiere al grado de diferencia entre la oscuridad y la luz. Aunque, de hecho, el contraste es el grado de CUALQUIER diferencia en cualquier escala.
Por lo tanto. Para aprender a trabajar con el color, necesitas ver estos contrastes y distinguirlos:
1. acromático (más oscuro-más claro)
2. tonos de color(azul no rojo, verde no amarillo)
3. temperatura (por cierto, el color no es cálido o frío por sí solo, solo en el contexto de otros colores)
4. saturación (rojo - gris)
5. colores complementarios (azul - naranja, verde - rojo...)
6. por área (pequeña bola roja en un gran césped verde)
7. Simultáneo ("mire esta imagen incomprensible durante 30 segundos sin parpadear, y luego mire fijamente pared blanca y ver la cara de Marilyn Monroe" - una vez en Internet)
Del segundo tipo de contrastes se derivan las combinaciones armónicas. Bueno, eso es, "reglas", qué colores se combinan con cuáles y cuáles excluir de la foto.
En las ilustraciones a continuación, puede torcer las figuras negras en un círculo en cualquier ángulo, el esquema funcionará. Bueno, las imágenes pretenden ilustrar la pertenencia al tipo de esquema, y no a un giro específico de la figura en el círculo. Las fotos se extraen del público VK Retouch Pro.
Esquema relacionado (3 sectores vecinos)
Relacionado-contrastante (4-6 adyacentes)
Triádico (triángulo equilátero)
Cordado (1, 2, 3 o 4 acordes estrictamente en un ángulo de 0 o 90 grados - amarillo en la parte superior, púrpura en la parte inferior)
Complementario
Cada "polo" del circuito puede y debe dividirse simétricamente. por ejemplo, en último ejemplo Puedo dividir el amarillo en hierba y siena en proporciones iguales y obtener más variación en los tonos. No puedes dividir el amarillo solo en hierba. Debe dividirse en ambas direcciones. De modo que la división cuando se mezcla da, por así decirlo, amarillo.
Pavel Kosenko, en los comentarios a la publicación de Andrey, el enlace al que proporciono arriba, maldice terriblemente a todos estos círculos y esquemas, insinuando charlatanería. Contesto. Si usa estos esquemas así como así, no saldrá nada realmente bueno. Pero alguien olvidó que tenemos hasta 7 tipos de contrastes. Y los esquemas describen solo el segundo (tonos de color). En el interior, las fotografías deben vivir y combinar armoniosamente los 6 restantes, para los cuales no se les ocurrieron esquemas. Sin embargo, dentro del segundo tipo, todas estas combinaciones funcionan bien =)
Nudo de memoria. En lugar del Quack Cooler de Adobe, puedes usar esto. Hace lo mismo que el Cooler, solo que ambos círculos están cosidos con la capacidad de cambiar: RYB y RGB. Realmente solo necesitas RYB =)
Y para entender por qué tu foto se ve como una caca en términos de color, basta con hacerte 7 preguntas: "¿Qué pasa con mi contraste de saturación?" Y los otros seis. Todo el mundo necesita trabajar.
¿Así que lo que? Aquí se encuentran todo tipo de contrastes y esquemas. ¿Hay algún complemento que haga clic en el botón y todos los colores sean hermosos?
- No, idiota. Esta es una hoja de trucos y las reglas. Los colores de la foto deben cambiarse manualmente. UPS.
- ¿Qué pasa con los ajustes preestablecidos y el procesamiento cruzado? Son clack y hermosos.
- Quédate en Instagram y disfruta. ¿Y qué pasa con la creación de imágenes?