Creación de una imagen artística en la literatura. imagen artistica

una manera y forma de dominar la realidad en el arte, una categoría general de las artes. creatividad. Entre otras estéticas. categorías categoría X. o. son de origen comparativamente tardío. En la antigüedad y mediados del siglo. la estética, que no destacó lo artístico en una esfera especial (el mundo entero, el espacio, una obra artística del más alto nivel), el arte se caracterizó predominantemente. canon - un conjunto de tecnológico. recomendaciones que proporcionan imitación (mímesis) del art. el comienzo de la vida misma. al antropocéntrico La estética del Renacimiento se remonta (pero fijado terminológicamente más tarde - en el clasicismo) a la categoría de estilo asociada a la idea del lado activo del arte, el derecho del artista a formar una obra de acuerdo con su trabajo creativo. iniciativa y leyes inmanentes de un determinado tipo de arte o género. Cuando, siguiendo la desestetización del ser, la desestetización de la práctica actividad, una reacción natural al utilitarismo dio un carácter específico. comprensión de las artes. formas como organización según el principio de lo interno. propósito, no uso externo (hermoso, según Kant). Finalmente, en relación con el proceso de “teorización” de las afirmaciones, terminarán. separándolo de las artes moribundas. artesanía, empujando la arquitectura y la escultura a la periferia del sistema de las artes y empujando al centro de las artes más "espirituales" en la pintura, la literatura, la música ("formas románticas", según Hegel), se hizo necesario comparar las artes. creatividad con la esfera del pensamiento científico y conceptual para comprender las especificidades de ambos. Categoría X.o. tomó forma en la estética de Hegel precisamente como respuesta a esta pregunta: la imagen “…pone ante nuestros ojos, en lugar de una esencia abstracta, su realidad concreta…” (Soch., vol. 14, M., 1958, pág. 194). En la doctrina de las formas (simbólicas, clásicas, románticas) y tipos de arte, Hegel esbozó varios principios construcción X.o. cómo diferentes tipos relación "entre imagen e idea" en su histórico. y lógico. secuencias. Volviendo a la estética hegeliana, la definición de arte como "pensar en imágenes" fue posteriormente objeto de vulgarización en un intelectualismo unilateral. y positivista-psicológico. conceptos de X. o. finales del 19 - principios siglo 20 En Hegel, quien interpretó toda la evolución del ser como un proceso de autoconocimiento, autopensamiento abs. espíritu, justo al comprender la especificidad de la afirmación, el énfasis no estaba en el "pensar", sino en la "imagen". En la comprensión vulgarizada de X. o. se reducía a una representación visual de la idea general, a una cognición especial. una técnica basada en demostración, demostración (en lugar de evidencia científica): una imagen de ejemplo lleva de los detalles de un círculo a los detalles de otro círculo (a sus "aplicaciones"), pasando por alto una generalización abstracta. Desde esta perspectiva, el art. la idea (o más bien, la pluralidad de ideas) vive separada de la imagen, en la cabeza del artista y en la cabeza del consumidor, que encuentra uno de los posibles usos de la imagen. Hegel vio al conocedor. lado X. sobre. en su capacidad de ser portador de un arte particular. ideas, los positivistas- en el poder explicativo de su representación. Al mismo tiempo, la estética el placer se caracterizó como una especie de satisfacción intelectual, y no se representa toda la esfera. la reclamación fue automáticamente excluida de la consideración, lo que puso en duda la universalidad de la categoría "X. o." (por ejemplo, Ovsyaniko-Kulikovsky dividió los trajes en "figurativos" y "emocionales", es decir, feos). Como protesta contra el intelectualismo del principio. siglo 20 surgieron teorías desvergonzadas del arte (B. Christiansen, Wölfflin, formalistas rusos y en parte L. Vygotsky). Si ya el positivismo es intelectualista. sentido, poniendo la idea, significado fuera de los corchetes X. o. - en psicología. el área de “aplicaciones” e interpretaciones, identificó el contenido de la imagen con su temática. relleno (a pesar de la prometedora doctrina de la forma interna desarrollada por Potebnya en línea con las ideas de W. Humboldt), los formalistas y "emocionalistas" en realidad dieron un paso más en la misma dirección: identificaron el contenido con el "material", y el concepto de imagen se disolvió en el concepto forma (o diseño, recepción). Para responder a la pregunta con qué propósito la materia es procesada por la forma, era necesario - en forma oculta o abierta - atribuir a la obra de arte un propósito externo, en relación con su estructura integral: el arte comenzó a ser considerado en algunos casos como hedonísticamente individual, en otros - como una "técnica de sentimientos" social. Cognitivo. el utilitarismo fue reemplazado por el utilitarismo educativo-"emocional". Moderno la estética (soviética y en parte extranjera) volvió al concepto figurativo del arte. la creatividad, extendiéndola a lo no representado. pleito-va y con ello superando al original. intuición "visibilidad", "ver" en letras. sentido de estas palabras, al cielo estaba incluido en el concepto de "X. o." bajo la influencia de la antigüedad. la estética con su experiencia de plasticidad. reclamar (griego ????? - imagen, imagen, estatua). Semántica del ruso. la palabra "imagen" apunta con éxito a) la existencia imaginaria del arte. hecho, b) su existencia objetiva, el hecho de que existe como una cierta formación integral, c) su significado (¿la "imagen" de qué?, es decir, la imagen presupone su prototipo semántico). X. o. como un hecho de ser imaginario. Cada obra de art-va tiene su propio material y físico. la base, que es, sin embargo, inmediata. portador de no artes. significado, sino sólo la imagen de este significado. Potebnya con su psicologismo característico en la comprensión de X. o. procede del hecho de que X. o. hay un proceso (energía), un cruce de imaginación creativa y co-creativa (percibiendo). La imagen existe en el alma del creador y en el alma del que la percibe, pero el arte existe objetivamente. el objeto es sólo un medio material para despertar la fantasía. En cambio, el formalismo objetivista considera el arte. una obra como una cosa hecha, que tiene una existencia independiente de las intenciones del creador y las percepciones del perceptor. Habiendo estudiado el objetivo-analítico a través de los sentidos materiales. los elementos de que consiste esta cosa, y sus relaciones, se puede agotar su construcción, explicar cómo está hecha. La dificultad, sin embargo, radica en que el art. la obra como imagen es a la vez un dato y un proceso, permanece y perdura, es a la vez un hecho objetivo y una conexión procesal intersubjetiva entre el creador y el perceptor. Alemán clásico. la estética consideraba el arte como una especie de esfera intermedia entre lo sensual y lo espiritual. “En contraste con la existencia inmediata de los objetos de la naturaleza, lo sensible en una obra de arte es elevado por la contemplación a pura visión y poder, y la obra de arte está en el medio entre la sensibilidad directa y el pensamiento perteneciente al reino de lo ideal ” (Hegel VF, Estética, vol. 1, Moscú, 1968, p. 44). El mismo material X. o. ya hasta cierto punto descompuesto, ideal (ver Ideal), y el material natural juega aquí el papel de material para material. Por ejemplo, el color blanco una estatua de mármol no aparece en sí misma, sino como signo de cierta cualidad figurativa; debemos ver en la estatua no un hombre "blanco", sino la imagen de un hombre en su corporeidad abstracta. La imagen está a la vez corporizada en el material y, por así decirlo, no corpórea en él, porque es indiferente a las propiedades de su base material como tal y las usa solo como signos propios. naturaleza. Por tanto, el ser de una imagen, fijado en su base material, se realiza siempre en la percepción, dirigida a ella: hasta que se ve a una persona en una estatua, sigue siendo un trozo de piedra, hasta que se escucha una melodía o armonía en una combinación. de los sonidos, no se da cuenta de su cualidad figurativa. La imagen se impone a la conciencia como un objeto dado fuera de ella, y al mismo tiempo se da libremente, no violentamente, porque se requiere cierta iniciativa del sujeto para tema dado se convirtió en la imagen. (Cuanto más idealizado sea el material de la imagen, menos único y más fácil será copiar su base física: el material del material. La impresión y la grabación de sonido hacen frente a esta tarea casi sin pérdida para la literatura y la música, copiando obras de pintura y la escultura ya encuentra serias dificultades, y una estructura arquitectónica difícilmente es adecuada para ser copiada, porque la imagen aquí está tan estrechamente fusionada con su base material que el entorno muy natural de este último se convierte en una cualidad figurativa única.) Este atractivo X. o. a la conciencia que percibe es una condición importante para su histórico. la vida, su infinitud potencial. En X. o. siempre hay un área de lo no dicho, y la comprensión-interpretación está por lo tanto precedida por la comprensión-reproducción, alguna imitación libre de lo interior. las expresiones faciales del artista, siguiéndola creativamente voluntaria a lo largo de los "surcos" del esquema figurativo (a esto, en los términos más generales, la doctrina de la forma interna como "algoritmo" de la imagen, desarrollada por la escuela Humboldt-Potebniana , esta reducido). En consecuencia, la imagen se revela en cada comprensión-reproducción, pero al mismo tiempo permanece ella misma, porque. todas las interpretaciones implementadas y muchas no realizadas se incluyen en una creatividad provista. un acto de posibilidad, en la estructura misma de X. o. X. o. como una totalidad individual. Semejanza artística. Las obras para un organismo vivo ya fueron planeadas por Aristóteles, según quien la poesía debería "... producir su placer inherente, como un ser vivo único y completo" ("Sobre el arte de la poesía", M., 1957, p. 118 ). Cabe destacar que la estética el placer ("placer") se considera aquí como una consecuencia de la naturaleza orgánica de las artes. obras. Representación de X. sobre. como un todo orgánico desempeñó un papel destacado en la estética posterior. conceptos (especialmente en el romanticismo alemán, Schelling, en Rusia - A. Grigoriev). Con este enfoque, la conveniencia de X. o. actúa como su totalidad: cada detalle vive gracias a su conexión con el todo. Sin embargo, cualquier otra estructura integral (por ejemplo, una máquina) determina la función de cada una de sus partes, llevándolas así a una unidad creada por completo. Hegel, como si se anticipara a la crítica del funcionalismo primitivo posterior, ve la diferencia. rasgos de integridad viva, belleza animada en la que la unidad no se manifiesta aquí como conveniencia abstracta: "... los miembros de un organismo vivo reciben... visibilidad por casualidad, es decir, junto con un miembro no se da también la determinación de el otro" (Estética, vol. 1, M., 1968, pág. 135). Así, el art. el trabajo es orgánico e individual, es decir, todas sus partes son individualidades, combinando la dependencia del todo con la autosuficiencia, porque el todo no simplemente subyuga a las partes a sí mismo, sino que dota a cada una de ellas de una modificación de su plenitud. La mano en el retrato, un fragmento de la estatua produce arte independiente. impresión precisamente por esta presencia en ellos del todo. Esto es especialmente claro en el caso de lit. personajes que tienen la capacidad de vivir fuera de su arte. contexto. Los "formalistas" correctamente señalaron que lit. el héroe actúa como un signo de unidad en la trama. Sin embargo, esto no le impide mantener su independencia individual de la trama y otros componentes de la obra. Sobre la improcedencia de descomponer las obras de la demanda en servicio técnico e independiente. momentos hablaron muchos. críticos rusos. formalismo (P. Medvedev, M. Grigoriev). en artes. la obra tiene un marco constructivo: modulaciones, simetrías, repeticiones, contrastes, realizados de manera diferente en cada uno de sus niveles. Pero este marco está, por así decirlo, disuelto y superado en la comunicación dialógicamente libre y ambigua de las partes de X. o. la vida de la unidad figurativa, su animación e infinidad actual. En X. o. no hay nada accidental (es decir, ajeno a su integridad), pero tampoco hay nada únicamente necesario; la antítesis de libertad y necesidad se "elimina" aquí en la armonía inherente a X. o. incluso cuando reproduce lo trágico, lo cruel, lo terrible, lo absurdo. Y puesto que la imagen se fija finalmente en lo "muerto", lo inorgánico. material, hay una revitalización visible de la materia inanimada (la excepción es el teatro, que trata con el "material" vivo y todo el tiempo se esfuerza, por así decirlo, por ir más allá del ámbito del arte y convertirse en un "acto" vital). El efecto de la "transformación" de lo inanimado en animado, de lo mecánico en orgánico - cap. fuente de estética el placer entregado por la pretensión, y la premisa de su humanidad. Algunos pensadores creían que la esencia de la creatividad está en la destrucción, la superación de la materia por la forma (F. Schiller), en la violencia del artista sobre la materia (Ortega y Gaset). L. Vygotsky en el espíritu de los influyentes en la década de 1920. el constructivismo compara la obra de arte con volar. con un aparato más pesado que el aire (ver "Psicología del Arte", M., 1968, p. 288): el artista transmite el movimiento a través del reposo, lo aéreo a través de lo pesado, lo visible a través de lo audible, o lo bello a través de lo terrible, lo alto por lo bajo, etc. Mientras tanto, la "violencia" del artista sobre su material consiste en la liberación de este material de la mecánica relaciones Externas y embragues. La libertad del artista está en armonía con la naturaleza del material, de modo que la naturaleza del material se vuelve libre y la libertad del artista involuntaria. Como se ha señalado repetidamente, en las obras poéticas perfectas, el verso revela en la alternancia de las vocales esa interioridad inmutable. coerción, lo que hace que parezca un fenómeno natural. aquellos. en la fonética del lenguaje general. En el material, el poeta libera tal oportunidad, obligándolo a seguirlo. Según Aristóteles, el reino de las pretensiones no es el reino de lo actual ni el reino de lo regular, sino el reino de lo posible. El arte conoce el mundo en su perspectiva semántica, recreándolo a través del prisma de las artes incrustadas en él. oportunidades Le da un específico letras. realidad. Tiempo y espacio en el art-ve, en contraposición a lo empírico. el tiempo y el espacio no son recortes de un tiempo o espacio homogéneo. continuo Letras. el tiempo se ralentiza o acelera en función de su contenido, cada momento temporal de la obra tiene una significación especial en función de su correlación con el "principio", "medio" y "final", por lo que se evalúa tanto retrospectivamente como prospectivamente. Así el arte. el tiempo se experimenta no sólo como fluido, sino también como espacialmente cerrado, visible en su totalidad. Letras. el espacio (en las artes del espacio) también se forma, se reagrupa (condensado en unas partes, enrarecido en otras) por su contenido y por lo tanto coordinado dentro de sí mismo. El marco del cuadro, el pedestal de la estatua no crean, sino que solo enfatizan la autonomía de la arquitectura artística. espacio, siendo auxiliar. medios de percepción. Letras. el espacio parece estar cargado de dinámicas temporales: su pulsación solo puede revelarse pasando de una visión general a una consideración gradual de múltiples fases para luego volver a una cobertura holística. en artes. fenómeno, las características de la vida real (tiempo y espacio, reposo y movimiento, objeto y acontecimiento) forman una síntesis tan mutuamente justificada que no necesitan motivaciones ni añadidos externos. Letras. idea (que significa X. o.). Analogía entre X. o. y un organismo vivo tiene su límite: X. o. pues una integridad orgánica es, ante todo, algo significante, formado por su propio significado. El arte, al ser creación de imágenes, actúa necesariamente como creación de sentido, como el incesante nombrar y renombrar todo lo que una persona encuentra a su alrededor y dentro de sí misma. En el arte, el artista siempre trata con el ser expresivo, inteligible y está en un estado de diálogo con él; "Para crear una naturaleza muerta, el pintor y la manzana deben chocar y corregirse". Pero para esto, la manzana debe convertirse en una manzana "parlante" para el pintor: muchos hilos deben salir de ella, tejiéndola en un mundo integral. Toda obra de arte es alegórica, ya que habla del mundo como un todo; no "explora" c.-l. un aspecto de la realidad, y representa concretamente en su nombre en su universalidad. En esto se acerca a la filosofía, además, a diferencia de la ciencia, no es de carácter sectorial. Pero, a diferencia de la filosofía, el arte tampoco es sistémico; en privado y específico. material, da el Universo personificado, mientras que al mismo tiempo hay un universo personal del artista. No se puede decir que el artista represente el mundo y, "además", exprese su actitud hacia él. En tal caso, uno sería un estorbo molesto para el otro; nos interesaría la fidelidad de la imagen (el concepto naturalista del arte), o el significado del "gesto" individual (enfoque psicológico) o ideológico (enfoque sociológico vulgar) del autor. Más bien, lo contrario es cierto: el artista (en sonidos, movimientos, formas de objetos) da expresión. ser, en el que estaba inscrito, representaba su personalidad. ¿Cómo expresa la expresión. siendo X.o. Hay alegoría y conocimiento a través de la alegoría. Pero como imagen de la "escritura" personal del artista X. o. hay una tautología, una correspondencia completa y única posible con la experiencia única del mundo que dio lugar a esta imagen. Como Universo personificado, la imagen es ambigua, porque es el centro vivo de muchas posiciones, una y otra, y la tercera a la vez. Como universo personal, la imagen tiene un significado evaluativo estrictamente definido. X. o. - la identidad de alegoría y tautología, ambigüedad y certeza, conocimiento y evaluación. El significado de la imagen, art. una idea no es una posición abstracta, que se ha vuelto concreta, encarnada en un sentimiento organizado. material. En el camino desde la concepción hasta la realización del arte. una idea nunca pasa la etapa de abstracción: como idea, es un punto concreto en un diálogo el encuentro del artista con el ser, es decir, prototipo (a veces, una huella visible de esta imagen original se conserva en la obra terminada, por ejemplo, el prototipo del "Huerto de los cerezos", que permaneció en el título de la obra de Chéjov; a veces, la intención del prototipo se disuelve en la creación completa y lo captamos solo indirectamente). en artes. el pensamiento pierde su abstracción, y la realidad pierde su silenciosa indiferencia hacia los seres humanos. "opinión" sobre ella. Este grano de la imagen desde el principio no es solo subjetivo, sino subjetivo-objetivo y vital-estructural, y por lo tanto tiene la capacidad de desarrollo espontáneo, de autoexplicación (como lo demuestran numerosos reconocimiento de personas reclaman-va). El prototipo como "forma formativa" atrae a su órbita todas las nuevas capas de material y las moldea a través del estilo que establece. El control consciente y volitivo del autor es proteger este proceso de momentos accidentales e incidentales. El autor, por así decirlo, compara el trabajo creado con un cierto estándar y elimina el exceso, llena los vacíos, elimina los vacíos. La presencia de tal "estándar" solemos sentirla agudamente "por el contrario" cuando afirmamos que en tal o cual lugar o en tal o cual detalle el artista no se mantuvo fiel a su plan. Pero al mismo tiempo, como resultado de la creatividad, surge algo verdaderamente nuevo, algo que nunca antes había sido y, por lo tanto, esencialmente no existe un "estándar" para el trabajo que se crea. Contrariamente a la visión platónica, a veces popular incluso entre los propios artistas ("En vano, artista, crees que eres el creador de tus creaciones ..." - A. K. Tolstoy), el autor no solo revela el arte en la imagen. idea, sino que la crea. El diseño-prototipo no es un dato formalizado que construye sobre sí mismo cascarones materiales, sino un canal de la imaginación, un "cristal mágico", a través del cual se vislumbra "indistintamente" la distancia de la creación futura. Sólo una vez cumplido el art. obra, la indefinición de la idea se convierte en una certeza multivaluada de significado. Así, en la etapa de concepción del art. la idea actúa como un cierto impulso concreto que surgió de la "colisión" del artista con el mundo, en la etapa de encarnación - como principio regulador, en la etapa de finalización - como una "expresión facial" semántica del microcosmos creado por el artista, su rostro vivo, que a la vez es rostro del propio artista. grado variable potestad reglamentaria del art. las ideas en combinación con diferentes materiales dan diferentes tipos de X. o. Una idea particularmente enérgica puede, por así decirlo, subyugar su arte. realización, para "familiarizarlo" hasta tal punto que las formas objetivas apenas se esbozan, como es inherente a ciertas variedades de simbolismo. Un significado demasiado abstracto o indefinido sólo puede entrar en contacto condicionalmente con las formas objetivas, sin transformarlas, como es el caso del naturalista. alegorías, o conectándolas mecánicamente, como es típico de la magia alegórica. fantasía mitologías antiguas. El significado es típico. la imagen es concreta, pero limitada por la especificidad; el rasgo característico de un objeto o persona se convierte aquí en un principio regulador para construir una imagen que contiene completamente su significado y lo agota (el significado de la imagen de Oblomov está en "Oblomovismo"). Al mismo tiempo, un rasgo característico puede subyugar y "significar" a todos los demás hasta el punto de que el tipo se convierte en fantástico. grotesco. En conjunto, los diversos tipos de X. o. dependiente del arte. autoconciencia de la época y se modifican internamente. las leyes de cada pretensión. Iluminado.: Schiller F., Artículos sobre estética, trad. [del alemán], [M.–L.], 1935; Goethe V., Artículos y pensamientos sobre el arte, [M.–L.], 1936; Belinsky V. G., La idea del arte, Poln. col. Soch., Vol. 4, M., 1954; Lessing G. E., Laocoonte..., M., 1957; Herder I. G., Izbr. cit., [trad. del alemán.], M.–L., 1959, pág. 157–90; Schelling F.V., Filosofía del arte, [trad. del alemán.], M., 1966; Ovsyaniko-Kulikovsky D., Language and Art, San Petersburgo, 1895; ?¿Vete a la mierda?. ?., De notas sobre la teoría de la literatura, X., 1905; el suyo propio, Thought and Language, 3ª ed., X., 1913; suyo, De conferencias sobre la teoría de la literatura, 3ª ed., X., 1930; Grigoriev M.S., Forma y contenido del arte literario. Prod., M., 1929; Medvedev P. N., Formalismo y formalistas, [L., 1934]; Dmitrieva N., Imagen y palabra, [M., 1962]; Ingarden R., Estudios de estética, trad. del polaco., M., 1962; Teoría de la literatura. Principal problemas en la historia. iluminación, libro 1, M., 1962; Alievsky P. V., Khudozhestv. Prod., ibíd., libro. 3, M., 1965; Zaretsky V., Imagen como información, "Cuestiones de literatura", 1963, No 2; Ilyenkov E., Acerca de la estética. la naturaleza de la fantasía, en Sat: Vopr. estética, vol. 6, M., 1964; Losev?., Los cánones artísticos como problema de estilo, ibíd.; Palabra e imagen. Se sentó. Art., M., 1964; entonación y música. imagen. Se sentó. Art., M., 1965; Gachev G. D., El contenido del artista. formularios Epopeya. Letra. Teatro, M., 1968; Panofsky E., "Idea". Ein Beitrag zur Begriffsgeschichte der ?lteren Kunsttheorie, Lpz.–B., 1924; lo suyo, Significado en las artes visuales, . Garden City (Nueva York), 1957; Richards?. ?., Ciencia y poesía, N. Y., ; Pongs H., Das Bild in der Dichtung, Bd 1–2, Marburg, 1927–39; Jonas O., Das Wesen des musikalischen Kunstwerks, W., 1934; Souriau E., La correspondance des arts, P., ; Staiger E., Grundbegriffe der Poetik, ; el suyo, Die Kunst der Interpretation; Heidegger M., Der Ursprung des Kunstwerkes, en su libro: Holzwege, Fr./M., ; Langer S.K. Sentimiento y forma. Una teoría del arte desarrollada a partir de la filosofía en una nueva clave, ?. Y., 1953; ella misma, Problemas del arte, ?. Y, ; Hamburger K., Die Logik der Dichtung, Stuttg., ; Empson W., Siete tipos de ambigüedad, 3 ed., N. Y., ; Kuhn H., Wesen und Wirken des Kunstwerks, M?nch., ; Sedlmayr H., Kunst und Wahrheit, 1961; Lewis C. D., La imagen poética, L., 1965; Dittmann L. Stil. símbolo. Struktur, Monch., 1967. I. Rodnianskaya. Moscú.

imagen literaria- una imagen verbal, diseñada en una palabra, esa forma peculiar de reflejo de la vida, que es inherente al arte.

Entonces, la imaginería es el concepto central de la teoría de la literatura, responde a su pregunta más básica: ¿cuál es la esencia de la creatividad literaria?

Imagen: un reflejo generalizado de la realidad en forma de un solo individuo: una definición tan común de este concepto. Las características más básicas se enfatizan en esta definición: generalización e individualización. De hecho, ambas características son esenciales e importantes. Están presentes en toda obra literaria.

Por ejemplo, en la imagen de Pechorin, características comunes la generación más joven de la época en la que M.Yu. Lermontov, y al mismo tiempo es obvio que Pechorin es un individuo representado por Lermontov con la máxima concreción de la vida. Y no solo esto. Para comprender la imagen, es necesario, en primer lugar, averiguar: ¿qué es lo que realmente le interesa al artista, en qué se enfoca entre los fenómenos de la vida?

« imagen artistica, - según Gorky, - casi siempre ideas más amplias y profundas, toma a una persona con toda su diversidad de su vida espiritual, con todas las contradicciones de sus sentimientos y pensamientos.

Entonces, la imagen es una imagen de la vida humana. Reflejar la vida con la ayuda de imágenes significa pintar cuadros de la vida humana de las personas, es decir. acciones y experiencias de personas características de un área determinada de la vida, lo que permite juzgarlo.

Hablando sobre el hecho de que la imagen es una imagen de la vida humana, queremos decir precisamente que se refleja en ella de manera sintética, holística, es decir. "personalmente", y no cualquiera de sus lados.

Una obra de arte es valiosa sólo cuando hace creer al lector o espectador en sí misma como un fenómeno de la vida humana, ya sea externa o espiritual.

Sin una imagen concreta de la vida, no hay arte. Pero la concreción en sí misma no es el fin en sí mismo de la representación artística. Se sigue necesariamente de su propio tema, de la tarea que enfrenta el arte: la representación de la vida humana en su totalidad.

Entonces, completemos la definición de la imagen.

Una imagen es una imagen concreta de la vida humana, es decir, su imagen personalizada.

Consideremos más. El escritor estudia la realidad a partir de una determinada cosmovisión; en el proceso de su experiencia de vida, acumula observaciones, conclusiones; llega a ciertas generalizaciones que reflejan la realidad y al mismo tiempo expresan sus puntos de vista. Muestra estas generalizaciones al lector en hechos vivos, concretos, en los destinos y experiencias de las personas. Así, en la definición de "imagen" complementamos: Una imagen es un cuadro específico y al mismo tiempo generalizado de la vida humana.

Pero incluso ahora nuestra definición aún no está completa.

La ficción juega un papel muy importante en la imagen. Sin la imaginación creadora del artista, no habría unidad de lo individual y lo general, sin lo cual no habría imagen. Sobre la base de su conocimiento y comprensión de la vida, el artista imagina tal hechos de la vida por lo que sería posible juzgar la vida que describe mejor que la suya. Este es el significado de la ficción. Al mismo tiempo, la ficción del artista no es arbitraria, le es sugerida por su experiencia de vida. Sólo bajo esta condición el artista podrá encontrar colores reales para representar el mundo en el que quiere introducir al lector. La ficción es un medio de selección por parte del escritor de lo más característico de la vida, es decir. es una generalización del material vital recogido por el escritor. Cabe señalar que la ficción no se opone a la realidad, sino que es una forma especial de reflejo de la vida, una forma peculiar de su generalización. Ahora debemos completar de nuevo nuestra definición.

Entonces, la imagen es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida humana, creada con la ayuda de la ficción. Pero eso no es todo.

Una obra de arte suscita en nosotros un sentimiento de excitación inmediata, de simpatía por los personajes o de resentimiento. Lo tratamos como algo que nos afecta personalmente, relacionándonos directamente.

Entonces. Este es un sentimiento estético. El propósito del arte es comprender estéticamente la realidad, para evocar un sentimiento estético en una persona. El sentido estético está asociado a la idea de ideal. Es esta percepción del ideal encarnado en la vida, la percepción de lo bello lo que nos provoca sentimientos estéticos: emoción, alegría, placer. Esto significa que la importancia del arte radica en el hecho de que debe evocar una actitud estética hacia la vida en una persona. Así, hemos llegado a la conclusión de que el lado esencial de la imagen es su valor estético.

Ahora podemos dar una definición de la imagen, que ha absorbido las características de las que hablamos.

Entonces, resumiendo lo dicho, obtenemos:

IMAGEN: UNA IMAGEN ESPECÍFICA Y AL MISMO TIEMPO GENERALIZADA DE LA VIDA HUMANA, CREADA CON LA AYUDA DE LA FICCIÓN Y QUE TIENE SIGNIFICADO ESTÉTICO.

La categoría más importante de la literatura, que determina su esencia y especificidad, es la imagen artística. ¿Cuál es el significado de este concepto? Significa un fenómeno que el autor recrea creativamente en su creación. La imagen en una obra de arte se presenta como el resultado de conclusiones significativas del escritor sobre algún proceso o fenómeno. La peculiaridad de este concepto es que no solo ayuda a comprender la realidad, sino también a crear tu propio mundo ficticio.

Intentemos rastrear qué es una imagen artística, sus tipos y medios de expresión. Después de todo, cualquier escritor intenta representar ciertos fenómenos de tal manera que muestre su visión de la vida, sus tendencias y patrones.

¿Qué es una imagen artística?

La crítica literaria nacional tomó prestada la palabra "imagen" del léxico de la iglesia de Kiev. Tiene un significado: una cara, una mejilla y su significado figurativo es una imagen. Pero es importante que analicemos qué es una imagen artística. Con ello se refieren a una imagen específica, ya veces generalizada, de la vida de las personas, que tiene un valor estético y se crea con la ayuda de la ficción. Un elemento o parte de una obra literaria que tiene vida independiente- eso es lo que es una imagen artística.

Tal imagen se llama artística no porque sea idéntica a objetos y fenómenos reales. El autor simplemente transforma la realidad con la ayuda de su imaginación. La tarea de la imagen artística en la literatura no es sólo copiar la realidad, sino transmitir lo más importante y esencial.

Entonces, Dostoievski puso en boca de uno de sus héroes las palabras de que rara vez es posible reconocer a una persona en una fotografía, porque la cara no siempre habla de los rasgos de carácter más importantes. De las fotografías, Napoleón, por ejemplo, parece estúpido para algunos. La tarea del escritor es mostrar en el rostro y el carácter lo más importante, específico. Al crear una imagen literaria, el autor en palabras refleja personajes humanos, objetos, fenómenos en una forma individual. Por imagen, los eruditos literarios se refieren a lo siguiente:

Personajes de una obra de arte, héroes, actores y sus personajes.
Representación de la realidad en una forma concreta, con la ayuda de imágenes verbales y tropos.

Cada imagen creada por el escritor conlleva una emotividad, originalidad, asociatividad y capacidad especial.

Cambiando las formas de representación artística

En el curso de cómo cambia la humanidad, también hay cambios en la imagen de la realidad. Hay una diferencia entre lo que era la imagen artística hace 200 años y lo que es ahora. En la era del realismo, el sentimentalismo, el romanticismo, el modernismo, los autores mostraban el mundo de diferentes maneras. Realidad y ficción, realidad e ideal, general e individual, racional y emocional, todo esto cambió en el curso del desarrollo del arte. En la era del clasicismo, los escritores destacaron la lucha entre los sentimientos y el deber. A menudo, los héroes eligieron el deber y sacrificaron la felicidad personal en nombre del interés público. En la era del romanticismo aparecieron héroes rebeldes que rechazaban a la sociedad oa ellos.

El realismo introdujo el conocimiento racional del mundo en la literatura, enseñó a identificar relaciones de causa y efecto entre fenómenos y objetos. El modernismo llamó a los escritores a conocer el mundo y al hombre por medios irracionales: inspiración, intuición, perspicacia. Para los realistas, a la cabeza de todo está la persona y su relación con el mundo exterior. Los románticos están interesados en el mundo interior de sus personajes.

Lectores y oyentes también pueden ser llamados de alguna manera co-creadores de imágenes literarias, porque su percepción es importante. Idealmente, el lector no solo se mantiene pasivo al margen, sino que pasa la imagen a través de sus propios sentimientos, pensamientos y emociones. Los lectores de diferentes épocas abren lados completamente diferentes de qué tipo de imagen artística retrató el escritor.

Cuatro tipos de imágenes literarias

La imagen artística en la literatura se clasifica en varios terrenos. Todas estas clasificaciones solo se complementan entre sí. Si dividimos las imágenes en tipos según la cantidad de palabras o caracteres que las crean, entonces se destacan las siguientes imágenes:

Pequeñas imágenes en forma de detalles.. Un ejemplo de imagen-detalle es la famosa pila Plyushkin, una estructura en forma de montón. Ella caracteriza a su personaje muy claramente.
Interiores y paisajes. A veces son parte de la imagen de una persona. Entonces, Gogol cambia constantemente los interiores y los paisajes, convirtiéndolos en un medio para crear personajes. Las letras de paisajes son muy fáciles de imaginar para el lector.
Imágenes de personajes. Entonces, en las obras de Lermontov, una persona con sus sentimientos y pensamientos está en el centro de los eventos. Los personajes también son llamados héroes literarios.
Sistemas literarios complejos. Como ejemplo, podemos nombrar la imagen de Moscú en la letra de Tsvetaeva, Rusia en la obra de Blok, San Petersburgo en Dostoievski. Un sistema aún más complejo es la imagen del mundo.

Clasificación de imágenes según características genéricas y de estilo.

Todas las creaciones verbales y artísticas suelen dividirse en tres tipos. En este sentido, las imágenes pueden ser:

lírico;
épico;
dramático.

Cada escritor tiene su propio estilo de retratar personajes. Esto da razón para clasificar las imágenes en:

realista;
romántico;
surrealista.

Todas las imágenes se crean de acuerdo con un cierto sistema y leyes.

La división de las imágenes literarias según la naturaleza de la generalización.

La unicidad y la originalidad se caracterizan por imágenes individuales. Son inventados por la imaginación del propio autor. Las imágenes individuales son utilizadas por escritores románticos y de ciencia ficción. En la Catedral de Notre Dame de Hugo, los lectores pueden ver un Quasimodo inusual. El Volante en la novela de Bulgakov "El Maestro y Margarita", el Demonio en la obra del mismo nombre de Lermontov, es un individuo.

La generalización, frente al individuo, es característica. Contiene los caracteres y costumbres que tienen las personas de una determinada época. Tales son los héroes literarios de Dostoievski en Los hermanos Karamazov, Crimen y castigo, en las obras de teatro de Ostrovsky, en La saga Forsyte de Galsworthy.

El nivel más alto de caracteres característicos son típico imágenes Eran los más probables para una era en particular. Son los héroes típicos los que se encuentran con mayor frecuencia en la literatura realista del siglo XIX. Este es el padre de Goriot y Gobsek Balzac, Plato Karataev y Anna Karenina Tolstoy, Madame Bovary Flaubert. En ocasiones, la creación de una imagen artística pretende captar los signos sociohistóricos de una época, rasgos universales del carácter humano. Don Quijote, Don Juan, Hamlet, Oblomov, Tartufo se pueden agregar a la lista de tales imágenes eternas.

Desde el marco de los personajes individuales van motivos Se repiten constantemente en la temática de las obras de algún autor. Como ejemplo, se puede citar el "pueblo de Rusia" de Yesenin o la "Hermosa Dama" de Blok.

Las imágenes típicas que se encuentran no solo en la literatura de escritores individuales, sino también de naciones, eras, se llaman topos. Escritores rusos como Gogol, Pushkin, Zoshchenko, Platonov utilizaron la imagen topos del "hombrecito" en sus escritos.

La imagen universal, que se transmite inconscientemente de generación en generación, se llama arquetipo. Incluye personajes mitológicos.

Medios para crear una imagen artística.

Cada escritor, en la medida de su talento, revela imágenes con los medios a su alcance. La mayoría de las veces, lo hace a través del comportamiento de los personajes en ciertas situaciones, a través de su relación con el mundo exterior. De todos los medios de una imagen artística, las características del habla de los personajes juegan un papel importante. El autor puede usar monólogos, diálogos, declaraciones internas de una persona. A los acontecimientos que tienen lugar en el libro, el escritor puede dar su descripción del autor.

A veces los lectores observan un significado oculto e implícito en las obras, que se llama trasfondo. De gran importancia característica externa héroes: altura, ropa, figura, expresiones faciales, gestos, timbre de voz. Es más fácil llamarlo un retrato. En las obras se lleva una gran carga semántica y emocional detalles, expresando detalles . Para expresar el significado de un fenómeno en forma objetiva, los autores utilizan simbolos La idea del hábitat de un personaje en particular da una descripción del interior de la habitación - interior.

¿En qué orden es literario?

imagen del personaje?

Crear una imagen artística de una persona es una de las tareas más importantes de cualquier autor. He aquí cómo caracterizar este o aquel personaje:

Indicar el lugar del personaje en el sistema de imágenes de la obra.
Descríbalo en términos de tipo social.
Describe la apariencia del personaje, retrato.
Nombre las características de su cosmovisión y cosmovisión, intereses mentales, habilidades y hábitos. Describe lo que hace, sus principios de vida e influencia en los demás.
Describa la esfera de los sentimientos del héroe, las características de las experiencias internas.
Analizar la actitud del autor hacia el personaje.
Revela los rasgos de carácter más importantes del héroe. A medida que el autor los abre, otros personajes.
Analizar las acciones del héroe.
Nombra la personalidad del discurso del personaje.
¿Cuál es su relación con la naturaleza?

Imágenes mega, macro y micro

A veces el texto de una creación literaria se percibe como una megaimagen. Tiene su propio valor estético. Los críticos literarios le otorgan el más alto valor genérico e indivisible.

Para representar la vida en segmentos, imágenes o partes más grandes o más pequeños, se utilizan imágenes macro. La composición de la imagen macro se compone de pequeñas imágenes homogéneas.

La microimagen se distingue por el tamaño de texto más pequeño. Puede tener la forma de un pequeño segmento de la realidad representado por el artista. Puede ser una palabra de frase (Invierno. Escarcha. Mañana.) O una oración, un párrafo.

Imagen-símbolos

Un rasgo característico de tales imágenes es la metáfora. Llevan profundidad semántica. Entonces, el héroe Danko de la obra de Gorky "La anciana Izergil" es un símbolo de desinterés absoluto. En el libro se le opone otro héroe: Larra, que es un símbolo del egoísmo. El escritor crea una imagen-símbolo literaria para la comparación oculta, con el fin de mostrar su significado figurativo. Muy a menudo, el simbolismo se encuentra en las creaciones líricas. Vale la pena recordar los poemas de Lermontov "The Cliff", "It Stands Lonely in the Wild North...", "Leaf", el poema "Demon", la balada "Three Palm Trees".

Imágenes eternas

Hay imágenes que nunca se desvanecen, combinan la unidad de elementos históricos y sociales. Tales personajes de la literatura mundial se llaman eternos. Prometeo, Edipo, Casandra vienen inmediatamente a la mente. Cualquier persona inteligente agregará aquí Hamlet, Romeo y Julieta, Iskander, Robinson. Hay novelas inmortales, cuentos, letras en las que las nuevas generaciones de lectores descubren profundidades sin precedentes.

Imágenes artísticas en letras

Una mirada inusual a las cosas ordinarias te permite ver las letras. El ojo aguzado del poeta se fija en las cosas más cotidianas que traen felicidad. La imagen artística en el poema puede ser la más inesperada. Para unos es el cielo, el día, la luz. Bunin y Yesenin tienen un abedul. Las imágenes de la amada o amada están dotadas de especial ternura. Muy a menudo hay imágenes-motivos, tales como: una mujer-madre, esposa, novia, amada.

El arte poético es pensar en imágenes. La imagen es el elemento más importante y directamente percibido trabajo literario. La imagen es el foco del contenido ideológico y estético y la forma verbal de su realización.

El término "imagen artística" es de origen relativamente reciente. Fue utilizado por primera vez por J. W. Goethe. Sin embargo, el problema de la imagen en sí es uno de los antiguos. El comienzo de la teoría de la imagen artística se encuentra en la doctrina de la "mímesis" de Aristóteles. El término “imagen” fue ampliamente utilizado en la crítica literaria después de la publicación de las obras de G. W. F. Hegel. El filósofo escribió: “Podemos designar una representación poética como figurativa, ya que pone ante nuestros ojos, en lugar de una esencia abstracta, su realidad concreta”.

G. W. F. Hegel, reflexionando sobre la relación del arte con el ideal, decidió la cuestión del impacto transformador de la creatividad artística en la vida de la sociedad. Las "Conferencias sobre estética" contienen una teoría detallada de la imagen artística: realidad estética, medida artística, contenido ideológico, originalidad, singularidad, validez general, dialéctica de contenido y forma.

En la crítica literaria moderna, la imagen artística se entiende como la reproducción de los fenómenos de la vida en una forma concreta e individual. El fin y finalidad de la imagen es transmitir lo general a través de lo individual, no imitando la realidad, sino reproduciéndola.

La palabra es el principal medio de creación de una imagen poética en la literatura. La imagen artística revela la visibilidad de un objeto o fenómeno.

la imagen tiene los siguientes parámetros: objetividad, generalización semántica, estructura. Las imágenes de objetos son estáticas y descriptivas. Estos incluyen imágenes de detalles, circunstancias. Las imágenes semánticas se dividen en dos grupos: individuales: creadas por el talento y la imaginación del autor, reflejan los patrones de vida en cierta era y en un entorno determinado; e imágenes que superan los límites de su época y adquieren un significado humano universal.

Las imágenes que van más allá del alcance de la obra y, a menudo, más allá de los límites de la obra de un escritor incluyen imágenes que se repiten en varias obras de uno o más autores. Las imágenes propias de toda una época o nación, y las imágenes-arquetipos, contienen las "fórmulas" más estables de la imaginación humana y del autoconocimiento.

La imagen artística está conectada con el problema de la conciencia artística. A la hora de analizar una imagen artística hay que tener en cuenta que la literatura es una de las formas conciencia pública y una variedad de actividad humana práctico-espiritual.

La imagen artística no es algo estático, se distingue por un carácter procedimental. En diferentes épocas, la imagen está sujeta a ciertos requisitos específicos y de género que desarrollan tradiciones artísticas. Al mismo tiempo, la imagen es un signo de una individualidad creativa única.

Una imagen artística es una generalización de los elementos de la realidad, objetivados en formas sensualmente percibidas, que se crean de acuerdo con las leyes del tipo y género de este arte, de una determinada manera creativa individual.

Subjetivo, individual y objetivo están presentes en la imagen en una unidad inseparable. La realidad es el material a conocer, la fuente de hechos y sensaciones, explorando cuáles persona creativa se estudia a sí mismo y al mundo, plasma sus ideas ideológicas y morales sobre lo real y lo propio en la obra.

La imagen artística, reflejo de las tendencias de la vida, es al mismo tiempo un descubrimiento original y la creación de nuevos significados que antes no existían. La imagen literaria se correlaciona con los fenómenos de la vida, y la generalización contenida en ella se convierte en una especie de modelo para la comprensión del lector de sus propios problemas y conflictos de la realidad.

Una imagen artística holística también determina la originalidad de la obra. Los personajes, eventos, acciones, metáforas se subordinan de acuerdo con la intención original del autor y en la trama, composición, conflictos principales, tema, idea de la obra expresan la naturaleza de la actitud estética del artista ante la realidad.

El proceso de creación de una imagen artística, en primer lugar, es una estricta selección de material: el artista toma la mayor parte rasgos específicos representado, descarta todo lo aleatorio, dando desarrollo, ampliando y agudizando ciertas características hasta su completa distinción.

V. G. Belinsky escribió en el artículo “Literatura rusa en 1842”: “Ahora el “ideal” no se entiende como una exageración, ni como una mentira, ni como una fantasía infantil, sino como un hecho de la realidad, tal como es; pero un hecho no borrado de la realidad, sino llevado a través de la fantasía del poeta, iluminado por la luz de un sentido general (y no excepcional, particular y accidental), erigido en una perla de conciencia y por tanto más semejante a sí mismo, más fiel a mismo que la copia más servil con fiel a su original. Así, en un retrato hecho por un gran pintor, una persona se parece más a sí misma que incluso a su reflejo en un daguerrotipo, porque el gran pintor de rasgos afilados sacó a relucir todo lo que acecha dentro de tal persona y que, quizás, es un secreto para esta persona misma".

La persuasión de una obra literaria no se reduce ni se limita a la fidelidad de la reproducción de la realidad y la llamada “verdad de la vida”. Está determinado por la originalidad de la interpretación creativa, el modelado del mundo en formas, cuya percepción crea la ilusión de comprender el fenómeno del hombre.

Las imágenes artísticas creadas por D. Joyce e I. Kafka no son idénticas experiencia de vida lector, son difíciles de leer como una completa coincidencia con los fenómenos de la realidad. Esta “no identidad” no significa una falta de correspondencia entre el contenido y la estructura de las obras de los escritores y nos permite decir que la imagen artística no es un original vivo de la realidad, sino un modelo filosófico y estético del mundo. y hombre

En la caracterización de los elementos de la imagen son fundamentales sus posibilidades expresivas y pictóricas. Por "expresividad" se debe entender la orientación ideológica y emocional de la imagen, y por "pictorialidad", su ser sensual, que convierte el estado subjetivo y la evaluación del artista en una realidad artística. La expresividad de la imagen artística es irreductible al traslado de las experiencias subjetivas del artista o del héroe. Expresa el significado de ciertas estados psicologicos o relaciones. La figuratividad de la imagen artística permite recrear objetos o hechos con claridad visual. La expresividad y figuratividad de una imagen artística son inseparables en todas las etapas de su existencia, desde la idea inicial hasta la percepción de la obra completa. La unidad orgánica de figuratividad y expresividad está plenamente relacionada con el sistema integral de imágenes; imágenes-elementos separados no siempre son portadores de tal unidad.

Cabe señalar los enfoques sociogenéticos y epistemológicos del estudio de la imagen. El primero establece necesidades y razones sociales que dan lugar a un determinado contenido y funciones de la imagen, y el segundo analiza la correspondencia de la imagen con la realidad y se asocia a los criterios de verdad y veracidad.

V texto artistico el concepto de "autor" se expresa en tres aspectos principales: un autor biográfico, de quien el lector conoce tanto a un escritor como a una persona; el autor "como encarnación de la esencia de la obra"; la imagen del autor, al igual que otras imágenes-personajes de la obra, es objeto de generalización personal para cada lector.

La definición de la función artística de la imagen del autor fue dada por V. V. Vinogradov: “La imagen del autor no es solo un tema del discurso, la mayoría de las veces ni siquiera se nombra en la estructura del trabajo. Esta es una encarnación concentrada de la esencia de la obra, uniendo todo el sistema de estructuras del habla de los personajes en su relación con el narrador, narrador o narradores y, a través de ellos, siendo el foco ideológico y estilístico, el foco del todo.

Es necesario distinguir entre la imagen del autor y la del narrador. El narrador es una imagen artística especial inventada por el autor, como todos los demás. Tiene el mismo grado de convencionalidad artística, por lo que la identificación del narrador con el autor es inaceptable. Puede haber varios narradores en una obra, y esto demuestra una vez más que el autor es libre de esconderse "bajo la máscara" de uno u otro narrador (por ejemplo, varios narradores en "Belkin's Tales", en "A Hero of Our Time "). La imagen del narrador en la novela de F. M. Dostoevsky "Demons" es compleja y multifacética.

El estilo narrativo y la especificidad del género determina la imagen del autor en la obra. Como escribe Yu. V. Mann, "cada autor aparece en los rayos de su género". En el clasicismo, el autor de una oda satírica es un acusador, y en una elegía, un cantor triste, en vida de un santo, un hagiógrafo. Cuando termina el llamado período de "poética del género", la imagen del autor adquiere rasgos realistas, adquiere un significado emocional y semántico ampliado. “En lugar de uno, dos, varios colores, está su abigarrado multicolor e iridiscente”, dice Yu.Mann. Aparecen las digresiones del autor - así se expresa comunicación directa el creador de la obra con el lector.

La formación del género de la novela contribuyó al desarrollo de la imagen-narrador. En la novela barroca, el narrador actúa de forma anónima y no busca el contacto con el lector; en una novela realista, el autor-narrador es un héroe de pleno derecho de la obra. En muchos sentidos, los personajes principales de las obras expresan el concepto del mundo del autor, encarnan las experiencias del escritor. M. Cervantes, por ejemplo, escribió: “¡Lector ocioso! Puedes creer sin juramento, como quisiera que este libro, fruto de mi entendimiento, fuera el colmo de la belleza, la gracia y la consideración. Pero no está en mi poder cancelar la ley de la naturaleza, según la cual cada ser vivo da a luz a su propia especie.

Y sin embargo, incluso cuando los héroes de la obra son la personificación de las ideas del autor, no son idénticos al autor. Incluso en los géneros de confesión, diario, notas, no se debe buscar la adecuación del autor y del héroe. La condena de J.-J. Rousseau es que la autobiografía - cuerpo perfecto introspección y exploración del mundo, fue cuestionada literatura XIX siglo.

Ya M. Yu. Lermontov dudaba de la sinceridad de las confesiones expresadas en la confesión. En el prefacio del Diario de Pechorin, Lermontov escribió: "La confesión de Rousseau ya tiene la desventaja de que se la leyó a sus amigos". Sin duda, todo artista se esfuerza por hacer viva la imagen, y la trama cautivadora, por tanto, persigue "un vano deseo de suscitar la participación y la sorpresa".

A. S. Pushkin generalmente negó la necesidad de confesión en prosa. En una carta a P. A. Vyazemsky sobre las notas perdidas de Byron, el poeta escribió: “Él (Byron) confesó en sus poemas, involuntariamente, dejarse llevar por el deleite de la poesía. En una prosa de sangre fría, mentiría y sería astuto, ahora tratando de mostrar sinceridad, ahora calumniando a sus enemigos. Habría sido condenado, como lo fue Rousseau, y allí la malicia y la calumnia habrían vuelto a triunfar... No amas tanto a nadie, no conoces a nadie tan bien como a ti mismo. El tema es inagotable. Pero es difícil. Es posible no mentir, pero ser sincero es una imposibilidad física”.

Introducción a los estudios literarios (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin y otros) / Ed. L. M. Krupchanov. -M, 2005

Brevemente:

La imagen artística es una de las categorías estéticas; imagen de la vida humana, descripción de la naturaleza, fenómenos abstractos y conceptos que forman una imagen del mundo en la obra.

La imagen artística es un concepto condicional, es el resultado de generalizaciones poéticas, contiene la ficción, la imaginación, la fantasía del autor. Está formado por el escritor de acuerdo con su cosmovisión y principios estéticos. No existe un único punto de vista sobre este tema en la crítica literaria. A veces, una obra o incluso la obra completa del autor se considera una imagen artística integral (el irlandés D. Joyce escribió con tal configuración de programa). Pero la mayoría de las veces el trabajo se estudia como un sistema de imágenes, cada elemento del cual está conectado con los demás por un solo concepto ideológico y artístico.

Tradicionalmente, se acostumbra distinguir entre los siguientes niveles de figuratividad en el texto: imágenes-personajes, imágenes de vida salvaje(animales, pájaros, peces, insectos, etc.), imágenes de paisajes, imágenes de objetos, imágenes verbales, imágenes de sonido, imágenes en color(por ejemplo, negro, blanco y rojo en la descripción de la revolución en el poema "Los Doce" de A. Blok), Imágenes de olor(por ejemplo, el olor a cebolla frita, corriendo por los patios de la ciudad provincial de S. en "Ionych" de Chéjov), signos, emblemas, así como también símbolos, alegorías y así.

Un lugar especial en el sistema de imágenes de la obra lo ocupan el autor, el narrador y el narrador. Estos no son conceptos idénticos.

Imagen del autor- la forma de existencia del escritor en un texto literario. Reúne todo el sistema de personajes y habla directamente al lector. Podemos encontrar un ejemplo de esto en la novela de A. Pushkin "Eugene Onegin".

La imagen del narrador. en el trabajo es generalizado-abstracto, esta persona, por regla general, carece de rasgos de retrato y se manifiesta solo en el habla, en relación con lo que se informa. A veces puede existir no solo dentro del marco de una obra, sino también dentro del ciclo literario (como en las Notas de un cazador de I. Turgenev). En un texto literario, el autor reproduce en este caso no la suya propia, sino la suya, la del narrador, de percibir la realidad. Actúa como intermediario entre el escritor y el lector en la transmisión de los acontecimientos.

La imagen del narrador. es el personaje en cuyo nombre se está haciendo el discurso. A diferencia del narrador, al narrador se le dan algunas características individuales (detalles del retrato, hechos biográficos). En las obras, a veces el autor puede narrar a la par del narrador. Hay muchos ejemplos de esto en la literatura rusa: Maxim Maksimych en la novela de M. Lermontov "Un héroe de nuestro tiempo", Ivan Vasilyevich en la historia de L. Tolstoy "Después del baile", etc.

Una imagen artística expresiva puede emocionar y conmocionar profundamente al lector y tener un impacto educativo.

Fuente: Manual para niños en edad escolar: Grados 5-11. — M.: AST-PRENSA, 2000

Más:

Una imagen artística es uno de los conceptos más ambiguos y amplios que utilizan los teóricos y practicantes de todo tipo de arte, incluida la literatura. Decimos: la imagen de Onegin, la imagen de Tatyana Larina, la imagen de la Patria o una imagen poética exitosa, es decir, las categorías del lenguaje poético (epíteto, metáfora, comparación ...). Pero hay una acepción más, quizás la más importante, la más amplia y universal: la imagen como forma de expresión del contenido en la literatura, como elemento primario del arte en su conjunto.

Cabe señalar que la imagen en general es una abstracción que adquiere contornos concretos sólo como componente elemental de un determinado sistema artístico en su conjunto. Toda la obra de arte es figurativa, y todos sus componentes son figurativos.

Si recurrimos a cualquier trabajo, por ejemplo, a los "Demonios" de Pushkin, el comienzo de "Ruslan y Lyudmila" o "Al mar", lo leemos y nos hacemos la pregunta: "¿Dónde está la imagen?" - la respuesta correcta será: “¡En todas partes!”, porque la imaginería es una forma de existencia de una obra de arte, el único modo de su ser, una especie de “materia” en la que consiste, y que, a su vez, rompe hasta "moléculas" y "átomos"".

El mundo artístico es ante todo un mundo figurativo. Una obra de arte es una sola imagen compleja, y cada uno de sus elementos es una partícula única y relativamente independiente de este todo, que interactúa con él y con todas las demás partículas. cualquier cosa y todo en mundo poético imbuido de imágenes, incluso si el texto no contiene un solo epíteto, comparación o metáfora.

En el poema de Pushkin "Te amé ..." no hay una de las "decoraciones" tradicionales, es decir. tropos, habitualmente denominados "imágenes artísticas" (la metáfora lingüística extinguida "el amor... se ha desvanecido" no cuenta), por lo que a menudo se define como "feo", lo que es fundamentalmente erróneo. Como mostró magníficamente R. Yakobson en su famoso artículo "La poesía de la gramática y la gramática de la poesía", utilizando exclusivamente los medios del lenguaje poético, con solo un hábil contraste de formas gramaticales, Pushkin creó un sorprendente noble sencillez y naturalmente emocionante imagen artística de las experiencias de un amante que deifica al objeto de su amor y sacrifica su felicidad por él. Los componentes de este todo figurativo complejo son imágenes privadas de una expresión puramente verbal, descubiertas por un investigador perspicaz.

En estética, hay dos conceptos de la imagen artística como tal. Según el primero de ellos, la imagen es un producto específico del trabajo, que está llamado a "objetivar" cierto contenido espiritual. Tal idea de la imagen tiene derecho a la vida, pero es más conveniente para las artes espaciales, especialmente para aquellas que tienen valor aplicado (escultura y arquitectura). Según el segundo concepto, la imagen como forma especial de exploración teórica del mundo debe ser considerada en comparación con los conceptos e ideas como categorías del pensamiento científico.

El segundo concepto nos resulta más cercano y comprensible, pero, en principio, ambos adolecen de unilateralidad. De hecho, ¿tenemos derecho a identificar la creatividad literaria con un tipo de producción, un trabajo ordinario y rutinario que tiene objetivos pragmáticos bien definidos? No hace falta decir que el arte es un trabajo duro y agotador (recordemos la metáfora expresiva de Mayakovsky: "La poesía es la misma extracción de radio: / En el año de extracción - un gramo de trabajo"), que no se detiene ni de día ni de noche. El escritor a veces crea literalmente incluso en un sueño (como si la segunda edición de Henriade se le apareciera a Voltaire de esta manera). No hay ocio. personal intimidad no, también (como retrata perfectamente O Henry en el cuento "Confesiones de un humorista").

es trabajo creatividad artística? Sí, por supuesto, pero no sólo laboral. Es un tormento, un placer incomparable, una investigación reflexiva y analítica, un vuelo desenfrenado de la fantasía libre, un trabajo duro y agotador y un juego apasionante. En una palabra, es arte.

Pero, ¿cuál es el producto del trabajo literario? ¿Cómo y con qué se puede medir? ¡Después de todo, no con litros de tinta y no kilogramos de papel gastado, no incrustados en los sitios de Internet con textos de obras que ahora existen en un espacio puramente virtual! El libro, que sigue siendo una forma tradicional de fijar, almacenar y consumir los resultados del trabajo de un escritor, es puramente externo y, como se vio después, no es en absoluto un caparazón obligatorio para el mundo figurativo creado en su proceso. Este mundo se crea en la conciencia y la imaginación del escritor y se transmite, respectivamente, al campo de la conciencia y la imaginación de los lectores. Resulta que la conciencia se crea a través de la conciencia, casi como en el ingenioso cuento de hadas de Andersen "El traje nuevo del rey".

Así, la imagen artística en la literatura no es en modo alguno una "objetivación" directa del contenido espiritual, cualquier idea, sueño, ideal, tal como se presenta fácil y claramente, digamos, en la misma escultura (Pigmalión, que "objetivaba" su sueño en marfil, ¡solo queda rogar a la diosa del amor Afrodita que insufle vida a la estatua para casarse con ella!). La obra literaria no acarrea resultados directos materializados, unas consecuencias prácticas tangibles.

¿Significa esto que el segundo concepto es más cierto, insistiendo en que la imagen artística de una obra es una forma de exploración del mundo exclusivamente teórica? No, y aquí hay una unilateralidad bien conocida. pensamiento figurativo en ficción, por supuesto, se opone a lo teórico, científico, aunque no lo excluye en absoluto. El pensamiento verbal-figurativo puede representarse como una síntesis de la comprensión filosófica o, más bien, estética de la vida y su diseño sensorial del objeto, la reproducción en el material específicamente inherente a ella. Sin embargo, no hay una definición clara, una secuencia canónica, una secuencia de ambos, y no puede serlo, si, por supuesto, nos referimos al arte real. Comprensión y reproducción, interpenetrando, se complementan. La comprensión se realiza de forma concreto-sensorial, y la reproducción aclara y afina la idea.

La cognición y la creatividad son un solo acto holístico. La teoría y la práctica en el arte son inseparables. Por supuesto, no son idénticos, pero son uno. En teoría, el artista se afirma en la práctica; en la práctica, teóricamente. Para cada individualidad creativa, la unidad de estos dos lados de un todo se manifiesta a su manera.

Así, V. Shukshin, “explorando”, como él decía, la vida, la vio, la reconoció con la mirada entrenada de un artista, y A. Voznesensky, que apela a la “intuición” en el conocimiento (“Si buscas India ¡Encontrarás América!”), con un arquitecto de mirada analítica (la educación no podía dejar de afectar). La diferencia también se reflejó en términos de expresión figurativa (sabios ingenuos, "monstruos", abedules animados en Shukshin y "jugadores atómicos", tragos culturales de la revolución científica y tecnológica, "pera triangular" y "fruta trapezoidal" en Voznesensky).

La teoría, en relación con el mundo objetivo, es un "reflejo", mientras que la práctica es la "creación" (o más bien, la "transformación") de este mundo objetivo. El escultor "refleja" a una persona, por ejemplo, un modelo, y crea un nuevo objeto, una "estatua". Pero las obras de las artes materiales son evidentes en el mismo significado directo de esta palabra, por lo que es tan fácil rastrear en su ejemplo los patrones estéticos más complejos. En la ficción, en el arte de las palabras, todo es más complicado.

Conociendo el mundo en imágenes, el artista se sumerge en las profundidades del tema, como un naturalista en un calabozo. Conoce su sustancia, principio fundamental, esencia, extrae de ella la raíz misma. El secreto de cómo se crean las imágenes satíricas fue maravillosamente revelado por Hans Schnier, un personaje de la novela de Heinrich Böll A través de los ojos de un payaso: "Tomo un pedazo de vida, lo elevo a un poder y luego extraigo la raíz de él, pero con un número diferente".

En este sentido, se puede estar seriamente de acuerdo con el ingenioso chiste de M. Gorki: “¡Él conoce la realidad como si él mismo la hiciera!” y con la definición de Miguel Ángel: “Esta es la obra de un hombre que sabía más que la naturaleza misma. ”, lo que lleva a V. Kozhinov en su artículo.

La creación de una imagen artística se asemeja menos que nada a una búsqueda de Linda ropa para una idea primaria ya hecha; en él nacen y maduran planos de contenido y de expresión en plena armonía, juntos, simultáneamente. La expresión de Pushkin "el poeta piensa en verso" y prácticamente la misma versión de Belinsky en su 5º artículo sobre Pushkin: "El poeta piensa en imágenes". “Por verso entendemos la forma original e inmediata del pensamiento poético” confirman con autoridad esta dialéctica.