imagen literaria- una imagen verbal, diseñada en una palabra, esa forma peculiar de reflejo de la vida, que es inherente al arte.
Entonces, la imaginería es el concepto central de la teoría de la literatura, responde a su pregunta más básica: ¿cuál es la esencia de la creatividad literaria?
Imagen: un reflejo generalizado de la realidad en forma de un solo individuo: una definición tan común de este concepto. Las características más básicas se enfatizan en esta definición: generalización e individualización. De hecho, ambas características son esenciales e importantes. Están presentes en cada trabajo literario.
Por ejemplo, la imagen de Pechorin muestra las características comunes de la generación más joven de la época en que vivió M.Yu. Lermontov, y al mismo tiempo es obvio que Pechorin es un individuo representado por Lermontov con la máxima concreción de la vida. Y no solo esto. Para comprender la imagen, es necesario, en primer lugar, averiguar: ¿qué es lo que realmente le interesa al artista, en qué se enfoca entre los fenómenos de la vida?
"La imagen artística -según Gorky- es casi siempre más amplia y profunda que la idea, toma a una persona con toda su diversidad de su vida espiritual, con todas las contradicciones de sus sentimientos y pensamientos".
Entonces la imagen es una imagen. vida humana. Reflejar la vida con la ayuda de imágenes significa pintar cuadros de la vida humana de las personas, es decir. acciones y experiencias de personas características de un área determinada de la vida, lo que permite juzgarlo.
Hablando sobre el hecho de que la imagen es una imagen de la vida humana, queremos decir precisamente que se refleja en ella de manera sintética, holística, es decir. "personalmente", y no cualquiera de sus lados.
Una obra de arte es valiosa sólo cuando hace creer al lector o espectador en sí misma como un fenómeno de la vida humana, ya sea externa o espiritual.
Sin una imagen concreta de la vida, no hay arte. Pero la concreción en sí misma no es el fin en sí mismo de la representación artística. Se sigue necesariamente de su propio tema, de la tarea que enfrenta el arte: la representación de la vida humana en su totalidad.
Entonces, completemos la definición de la imagen.
Una imagen es una imagen concreta de la vida humana, es decir, su imagen personalizada.
Consideremos más. El escritor estudia la realidad a partir de cierta cosmovisión; en el proceso de su experiencia de vida, acumula observaciones, conclusiones; llega a ciertas generalizaciones que reflejan la realidad y al mismo tiempo expresan sus puntos de vista. Muestra estas generalizaciones al lector en hechos vivos, concretos, en los destinos y experiencias de las personas. Así, en la definición de "imagen" complementamos: Una imagen es un cuadro específico y al mismo tiempo generalizado de la vida humana.
Pero incluso ahora nuestra definición aún no está completa.
La ficción juega un papel muy importante en la imagen. Sin la imaginación creadora del artista, no habría unidad de lo individual y lo general, sin lo cual no habría imagen. Basado en su conocimiento y comprensión de la vida, el artista imagina tales hechos de la vida por los cuales uno podría juzgar mejor la vida que representa. Este es el significado de la ficción. Al mismo tiempo, la ficción del artista no es arbitraria, le es sugerida por su experiencia de vida. Sólo bajo esta condición el artista podrá encontrar colores reales para representar el mundo en el que quiere introducir al lector. La ficción es un medio de selección por parte del escritor de lo más característico de la vida, es decir. es una generalización del material vital recogido por el escritor. Cabe señalar que la ficción no se opone a la realidad, sino que es una forma especial de reflejo de la vida, una forma peculiar de su generalización. Ahora debemos completar de nuevo nuestra definición.
Entonces, la imagen es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida humana, creada con la ayuda de la ficción. Pero eso no es todo.
Una obra de arte suscita en nosotros un sentimiento de excitación inmediata, de simpatía por los personajes o de resentimiento. Lo tratamos como algo que nos afecta personalmente, relacionándonos directamente.
Entonces. Este es un sentimiento estético. El propósito del arte es comprender estéticamente la realidad, para evocar un sentimiento estético en una persona. El sentido estético está asociado a la idea de ideal. Es esta percepción del ideal encarnado en la vida, la percepción de lo bello lo que nos provoca sentimientos estéticos: emoción, alegría, placer. Esto significa que la importancia del arte radica en el hecho de que debe evocar una actitud estética hacia la vida en una persona. Así, hemos llegado a la conclusión de que el lado esencial de la imagen es su valor estético.
Ahora podemos dar una definición de la imagen, que ha absorbido las características de las que hablamos.
Entonces, resumiendo lo dicho, obtenemos:
IMAGEN: UNA IMAGEN ESPECÍFICA Y AL MISMO TIEMPO GENERALIZADA DE LA VIDA HUMANA, CREADA CON LA AYUDA DE LA FICCIÓN Y QUE TIENE SIGNIFICADO ESTÉTICO.
Se puede llamar imagen artística a cualquier fenómeno que haya sido recreado creativamente por el autor en un objeto de arte. Si nos referimos a una imagen literaria, entonces este fenómeno se refleja en una obra de arte. Una característica de las imágenes es que no sólo refleja la realidad, sino también resume al mismo tiempo revelándolo en algo singular y definido.
La imagen artística no sólo comprende la realidad, sino que crea un mundo diferente, ficticio y transformado. La ficción artística en este caso es necesaria para potenciar el significado generalizado de la imagen. No se puede hablar de una imagen en la literatura, sólo como imagen de una persona.
Ejemplos vívidos aquí son la imagen de Andrei Bolkonsky, Raskolnikov, Tatyana Larina y Eugene Onegin. En este caso, la imagen artística es sola imagen vida humana, cuyo centro es la personalidad de una persona, y los elementos principales son todos los eventos y circunstancias de su existencia. Cuando un héroe entabla relaciones con otros héroes, surgen una variedad de imágenes.
Reflexión figurativa de la vida en el arte
La naturaleza de la imagen artística, independientemente de su propósito y alcance, es multifacética y única. Una imagen puede llamarse un todo. mundo interior, lleno de muchos procesos y facetas, que caían en el foco del conocimiento. Es la base de cualquier tipo de creatividad, la base de cualquier conocimiento e imaginación.
La naturaleza de la imagen es realmente extensa: puede ser racional y sensual, puede basarse en las experiencias personales de una persona, en su imaginación y tal vez factográfica. Y el propósito principal de la imagen es reflejo de la vida. Sea lo que sea que le parezca a una persona, y sea lo que sea, una persona siempre percibe su contenido a través de un sistema de imágenes.
Este es el componente principal de cualquier proceso creativo, porque el autor responde simultáneamente a muchas preguntas de la vida y crea otras nuevas, más importantes y más importantes para él. Por tanto, hablan de una imagen como reflejo de la vida, porque incluye lo característico y lo típico, lo general y lo individual, lo objetivo y lo subjetivo.
La imagen artística es el suelo del que crece cualquier tipo de arte, incluida la literatura. Al mismo tiempo, sigue siendo un fenómeno complejo y, a veces, incomprensible, porque una imagen artística en una obra literaria puede quedar inacabada, presentarse al lector solo como un boceto, y al mismo tiempo cumplir su propósito y permanecer integral, como un reflejo. de un determinado fenómeno.
La conexión de la imagen artística con el desarrollo del proceso literario
literatura como fenómeno cultural existe desde hace mucho tiempo. Y es bastante obvio que sus componentes principales aún no han cambiado. Esto también se aplica a la imagen artística.
Pero la vida misma está cambiando, la literatura está en constante transformación y transformación, así como sus imágenes transversales. Después de todo, la imagen artística lleva un reflejo de la realidad, y el sistema de imágenes para el proceso literario cambia constantemente.
imagen artistica
imagen artistica- una categoría general de creatividad artística, una forma de interpretación y desarrollo del mundo desde el punto de vista de un determinado ideal estético mediante la creación de objetos estéticamente influyentes. También se denomina imagen artística a todo fenómeno recreado creativamente en una obra de arte. Una imagen artística es una imagen del arte, que es creada por el autor de una obra de arte para revelar más completamente el fenómeno descrito de la realidad. La imagen artística es creada por el autor para el más completo desarrollo del mundo artístico de la obra. En primer lugar, a través de la imagen artística, el lector revela la imagen del mundo, los movimientos de la trama y las características del psicologismo en la obra.
La imagen artística es dialéctica: combina la contemplación viva, su interpretación subjetiva y la valoración por parte del autor (y también del ejecutante, oyente, lector, espectador).
Una imagen artística se crea sobre la base de uno de los medios: imagen, sonido, lenguaje, entorno o una combinación de varios. Es inseparable del sustrato material del arte. Por ejemplo, significado estructura interna, la claridad de la imagen musical está determinada en gran medida por la materia natural de la música: las cualidades acústicas del sonido musical. En literatura y poesía, se crea una imagen artística sobre la base de un entorno lingüístico específico; los tres medios se utilizan en el arte teatral.
Al mismo tiempo, el significado de una imagen artística se revela solo en una determinada situación comunicativa, y el resultado final de tal comunicación depende de la personalidad, los objetivos e incluso el estado de ánimo momentáneo de la persona que la encuentra, así como de la cultura específica a la que pertenece. Por lo tanto, a menudo después de que han pasado uno o dos siglos desde la creación de una obra de arte, se percibe de una manera completamente diferente a la de sus contemporáneos e incluso el propio autor la percibía.
En la "Poética" de Aristóteles, la imagen-tropo aparece como un reflejo inexacto, exagerado, disminuido o alterado, refractado de la naturaleza original. En la estética del romanticismo, la semejanza y la semejanza dan paso a un principio creativo, subjetivo, transformador. En este sentido, incomparable, como nadie, por lo tanto, hermoso. Esta es la misma comprensión de la imagen en la estética de la vanguardia, que prefiere la hipérbole, el cambio (término de B. Livshitz). En la estética del surrealismo, "la realidad multiplicada por siete es la verdad". En la poesía más reciente ha aparecido el concepto de "metáfora" (término de K. Kedrov), imagen de la realidad trascendente más allá del umbral de las velocidades de la luz, donde la ciencia calla y el arte empieza a hablar. La metametáfora se fusiona estrechamente con la "perspectiva inversa" de Pavel Florensky y el "módulo universal" del artista Pavel Chelishchev. Se trata de ampliar los límites de la audición y la visión humanas mucho más allá de las barreras físicas y fisiológicas.
ver también
Enlaces
- Tamarchenko N. D. Poética teórica: conceptos y definiciones.
- Nikolaev A. I. Imagen artística como modelo transformado del mundo.
Literatura: Romanova S. I. Imagen artística en el espacio de las relaciones semióticas. // Boletín de la Universidad Estatal de Moscú. Serie 7. Filosofía. 2008. Nº 6. Págs. 28-38. (www.sromaart.ru)
Fundación Wikimedia. 2010 .
Vea qué es "Imagen artística" en otros diccionarios:
IMAGEN ARTÍSTICA, una forma de pensamiento artístico. La imagen incluye: el material de la realidad, procesado por la imaginación creativa del artista, su actitud hacia lo representado, la riqueza de la personalidad del creador. Hegel (ver HEGEL Georg Wilhelm Friedrich) ... ... diccionario enciclopédico
Categoría general de los arts. la creatividad, un medio y una forma de dominar la vida por el arte. Una imagen se entiende a menudo como un elemento o parte de un producto que tiene, por así decirlo, autosuficiencia. existencia y significado (por ejemplo, en literatura, la imagen de un personaje, ... ... Enciclopedia filosófica
Forma de reflexión (reproducción) realidad objetiva en el arte desde el punto de vista de un determinado ideal estético. La encarnación de la imagen artística en diferentes obras de arte se lleva a cabo con la ayuda de diferentes medios y materiales ... ... Enciclopedia de estudios culturales.
imagen artistica- un método y forma de dominar la realidad en el arte, caracterizado por una unidad inseparable de momentos sensuales y semánticos. Esta es una imagen concreta y al mismo tiempo generalizada de la vida (o un fragmento de dicha imagen), creada con la ayuda de creativo ... ... Diccionario terminológico-tesauro de crítica literaria
EN Bellas Artes, una forma de reproducción, comprensión y experiencia de los fenómenos de la vida mediante la creación de objetos estéticamente impactantes (pinturas, esculturas, etc.). El arte, como la ciencia, conoce el mundo que nos rodea. Sin embargo, a diferencia de…… Enciclopedia de arte
imagen artistica- ▲ imagen (ser) en, una obra de arte héroe imagen literaria. tipo (# positivo). figura. caracteres. ▼ tipo literario, personaje de cuento de hadas... Diccionario ideográfico de la lengua rusa
La categoría general de creatividad artística: una forma de reproducción, interpretación y dominio de la vida inherente al arte (Ver Arte) a través de la creación de objetos estéticamente impactantes. Una imagen se entiende a menudo como un elemento o parte de ... ... Gran enciclopedia soviética
La comunicación profesional en el sistema "Hombre-Imagen Artística"- La imagen del mundo entre los representantes de este campo de actividad está asociada con resaltar la belleza hermosa y traerle belleza, conveniencia, placer estético (por ejemplo, el planeta Tierra se puede representar como "azul", "pequeño", "indefenso " y ... ... Psicología de la comunicación. diccionario enciclopédico
1. Enunciado de la pregunta. 2. O. como fenómeno de la ideología de clase. 3. Individualización de la realidad en O. 4. Tipificación de la realidad en O. 5. Ficción artística en O. 6. O. e imaginería; sistema O. 7. Contenido O. 8. Público ... ... Enciclopedia literaria
En filosofía, el resultado del reflejo de un objeto en la mente de una persona. Sobre sentimientos. etapas de la cognición las imágenes son sensaciones, percepciones y representaciones, al nivel de pensar conceptos, juicios y conclusiones. O. es objetivo en su fuente ... ... Enciclopedia filosófica
Libros
- Imagen artística en escenografía. Libro de texto, Sannikova Lyudmila Ivanovna. El libro es un libro de texto para estudiantes que estudian el arte de la dirección teatral y la dirección de representaciones teatrales y está diseñado para ayudar a los jóvenes directores a trabajar con...
Introducción
La imagen artística es una categoría universal de la creatividad artística: una forma de reproducción, interpretación y dominio de la vida inherente al arte mediante la creación de objetos que influyen estéticamente. Una imagen a menudo se entiende como un elemento o parte de un todo artístico, generalmente un fragmento que tiene, por así decirlo, una vida y un contenido independientes (por ejemplo, un personaje en la literatura, imágenes simbólicas). Pero en un sentido más general, una imagen artística es una forma de existencia de una obra, tomada del lado de su expresividad, energía impresionante y significado.
En una serie de otras categorías estéticas, esta es de origen relativamente tardío, aunque los comienzos de la teoría de la imagen artística se pueden encontrar en la doctrina de Aristóteles de la "mímesis": la libre imitación de la vida por parte del artista en su capacidad para producir integral, objetos dispuestos internamente y el placer estético asociado con esto. Mientras que el arte en su autoconciencia (proveniente de la antigua tradición) estaba más cerca del oficio, la destreza, la destreza, y por consiguiente, en la multitud de las artes, el lugar principal pertenecía a las artes plásticas, el pensamiento estético se contentaba con los conceptos de la canon, luego estilo y forma, a través de los cuales se iluminaba la actitud transformadora del artista hacia el material. El hecho de que el material reformado artísticamente capture, lleve en sí mismo una especie de educación ideal, en algo similar al pensamiento, comenzó a realizarse solo con la promoción de artes más "espirituales": la literatura y la música. La estética hegeliana y poshegeliana (incluido V. G. Belinsky) utilizaron ampliamente la categoría de imagen artística, respectivamente, oponiendo la imagen como producto del pensamiento artístico a los resultados del pensamiento abstracto, científico y conceptual: silogismo, inferencia, prueba, fórmula.
Desde entonces, la universalidad de la categoría de imagen artística ha sido repetidamente cuestionada, ya que la connotación semántica de objetividad y visibilidad, que forma parte de la semántica del término, parecía tornarlo inaplicable a “no objetivos”, no finos. letras. Y, sin embargo, la estética moderna, principalmente doméstica, en la actualidad recurre ampliamente a la teoría de la imagen artística como la más prometedora, ayudando a revelar la naturaleza original de los hechos del arte.
El propósito del trabajo: Analizar el concepto de imagen artística e identificar los principales medios de su creación.
Ampliar el concepto de imagen artística.
Considere los medios para crear una imagen artística.
Analizar las características de las imágenes artísticas a partir del ejemplo de las obras de W. Shakespeare.
El tema de la investigación es la psicología de la imagen artística en el ejemplo de las obras de Shakespeare.
Método de investigación - análisis teórico de la literatura sobre el tema.
1. Psicología de la imagen artística
1 El concepto de imagen artística
En epistemología, el concepto de "imagen" se utiliza en un sentido amplio: una imagen es una forma subjetiva de reflejo de la realidad objetiva en la mente de una persona. En la etapa empírica de la reflexión, las imágenes-impresiones, las imágenes-representaciones, las imágenes de la imaginación y la memoria son inherentes a la conciencia humana. Sólo sobre esta base, a través de la generalización y la abstracción, surgen imágenes-conceptos, imágenes-conclusiones, juicios. Pueden ser visuales (imágenes ilustrativas, diagramas, modelos) y no visuales (abstractos).
Junto con un significado epistemológico amplio, el concepto de "imagen" tiene un significado más restringido. Una imagen es una apariencia específica de un objeto integral, fenómeno, persona, su “rostro”.
La mente humana recrea las imágenes de la objetividad, sistematizando la diversidad de movimientos e interconexiones del mundo circundante. La cognición y la práctica de una persona conducen la variedad de fenómenos entrópicos, a primera vista, a una correlación ordenada o conveniente de relaciones y, por lo tanto, forman imágenes del mundo humano, el llamado entorno, el complejo residencial, las ceremonias públicas, el ritual deportivo, etc. . La síntesis de impresiones dispares en imágenes integrales elimina la incertidumbre, designa tal o cual esfera, nombra tal o cual contenido delimitado.
La imagen ideal de un objeto que surge en la cabeza humana es un sistema determinado. Sin embargo, a diferencia de la filosofía de la Gestalt, que introdujo estos términos en la ciencia, se debe enfatizar que la imagen de la conciencia es esencialmente secundaria, es un producto del pensamiento que refleja las leyes de los fenómenos objetivos, es una forma subjetiva de reflexión de objetividad, y no una construcción puramente espiritual dentro de la corriente de la conciencia.
Una imagen artística no es sólo una forma especial de pensamiento, es una imagen de la realidad que surge a través del pensamiento. El principal significado, función y contenido de la imagen del arte radica en el hecho de que la imagen representa la realidad en una cara concreta, su mundo objetivo y material, una persona y su entorno, representa los eventos de la vida pública y personal de las personas, su relaciones, sus características externas y espirituales y psicológicas.
En estética, durante muchos siglos ha habido una cuestión discutible de si la imagen artística es un molde de impresiones directas de la realidad o está mediada en el proceso de emergencia por la etapa del pensamiento abstracto y los procesos de abstracción de lo concreto por el análisis. , síntesis, inferencia, conclusión, es decir, el procesamiento de impresiones sensualmente dadas. Los investigadores de la génesis del arte y las culturas primitivas distinguen el período del "pensamiento prelógico", pero incluso el concepto de "pensamiento" es inaplicable a las etapas posteriores del arte de este tiempo. La naturaleza sensual-emocional, intuitiva-figurativa del antiguo arte mitológico le dio a K. Marx una razón para decir que primeras etapas el desarrollo de la cultura humana se caracterizó por un procesamiento inconscientemente artístico materiales naturales.
En el proceso de la práctica del trabajo humano, no solo tuvo lugar el desarrollo de las habilidades motoras de las funciones de la mano y otras partes del cuerpo humano, sino también, en consecuencia, el proceso de desarrollo de la sensibilidad humana, el pensamiento y el habla.
ciencia moderna defiende el hecho de que el lenguaje de los gestos, las señales, los signos en el hombre antiguo todavía era solo el lenguaje de las sensaciones y las emociones, y solo más tarde el lenguaje de los pensamientos elementales.
El pensamiento primitivo se distinguió por su inmediatez y elementalidad originales, como pensar sobre la situación presente, sobre el lugar, el volumen, la cantidad y el beneficio inmediato de un fenómeno particular.
Sólo con la aparición discurso sonoro y el segundo sistema de señales comienza a desarrollarse discursivo y pensamiento lógico.
Por esto, podemos hablar de la diferencia en ciertas fases o etapas en el desarrollo del pensamiento humano. Primero, la fase de pensamiento visual, concreto, de señal primaria, que refleja directamente la situación experimentada momentáneamente. En segundo lugar, esta es la fase del pensamiento figurativo, que va más allá de los límites de lo que se experimenta directamente gracias a la imaginación y las ideas elementales, así como la imagen externa de algunas cosas específicas, y su posterior percepción y comprensión a través de esta imagen (una forma de comunicación).
El pensar, como otros fenómenos espirituales y psíquicos, se desarrolla en la historia de la antropogénesis de lo más bajo a lo más alto. El descubrimiento de muchos hechos que atestiguan la naturaleza prelógica, prelógica del pensamiento primitivo, dio lugar a muchas interpretaciones. El conocido investigador de la cultura antigua, K. Levy-Bruhl, señaló que el pensamiento primitivo está orientado de manera diferente al pensamiento moderno, en particular, es "prelógico", en el sentido de que "se reconcilia" con la contradicción.
En la estética occidental de mediados del siglo pasado está muy extendida la conclusión de que el hecho de la existencia del pensamiento prelógico da pie a la conclusión de que la naturaleza del arte es idéntica a la conciencia inconscientemente mitificadora. Existe toda una galaxia de teorías que buscan identificar el pensamiento artístico con el mitologismo elemental-figurativo de las formas prelógicas del proceso espiritual. Esto se aplica a las ideas de E. Cassirer, quien dividió la historia de la cultura en dos eras: la era del lenguaje simbólico, el mito y la poesía, en primer lugar, y la era del pensamiento abstracto y el lenguaje racional, en segundo lugar, mientras se esforzaba por absolutizar la mitología como una base ancestral ideal en la historia el pensamiento artístico.
Sin embargo, Cassirer solo llamó la atención sobre el pensamiento mitológico como una prehistoria de las formas simbólicas, pero después de él A.-N. Whitehead, G. Reid, S. Langer intentaron absolutizar el pensamiento no conceptual como la esencia de la conciencia poética en general.
Los psicólogos domésticos, por el contrario, creen que la conciencia hombre moderno representa una unidad psicológica multilateral, donde las etapas de desarrollo de los lados sensual y racional están interconectadas, interdependientes, interdependientes. La medida del desarrollo de los aspectos sensoriales de la conciencia del hombre histórico en el curso de su existencia correspondía a la medida de la evolución de la razón.
Hay muchos argumentos a favor de la naturaleza sensual-empírica de la imagen artística como su característica principal.
Como ejemplo, detengámonos en el libro de A.K. Voronsky "El arte de ver el mundo". Apareció en los años 20, tenía suficiente popularidad. El motivo de escribir esta obra fue una protesta contra la artesanía, el cartel, la didáctica, la manifestación, el arte "nuevo".
El patetismo de Voronsky se centra en el "misterio" del arte, que vio en la capacidad del artista para captar la impresión inmediata, la emoción "primaria" de percibir un objeto: "El arte sólo entra en contacto con la vida. Tan pronto como la mente del espectador, del lector, comienza a trabajar, desaparece todo el encanto, toda la fuerza del sentimiento estético.
Voronsky desarrolló su punto de vista, apoyándose en una experiencia considerable, en una comprensión sensible y un conocimiento profundo del arte. Aisló el acto de la percepción estética de la vida cotidiana y cotidiana, creyendo que es posible ver el mundo "directamente", es decir, sin la mediación de pensamientos e ideas preconcebidas, solo en momentos felices de verdadera inspiración. La frescura y la pureza de la percepción es una rareza, pero es precisamente ese sentimiento inmediato el que es la fuente de la imagen artística.
Voronsky llamó a esta percepción “irrelevante” y la contrastó con fenómenos ajenos al arte: la interpretación y la “interpretación”.
El problema del descubrimiento artístico del mundo recibe de Voronsky la definición de un “sentimiento creativo complejo”, cuando se revela la realidad de la impresión primaria, independientemente de si una persona la conoce.
El arte “silencia la mente, logra que una persona crea en el poder de sus impresiones más primitivas, más directas”6.
Escrita en la década de 1920, la obra de Voronsky se centra en la búsqueda de los secretos del arte en un antropologismo puro e ingenuo, "irrelevante", que no apela a la razón.
Las impresiones inmediatas, emocionales e intuitivas nunca perderán su significado en el arte, pero ¿son suficientes para el arte del arte? ¿No son los criterios del arte más complicados de lo que sugiere la estética de los sentimientos directos?
La creación de una imagen artística del arte, si no es un estudio o un boceto preliminar, etc., sino una imagen artística completa, es imposible solo fijando una impresión hermosa, directa e intuitiva. La imagen de esta impresión será insignificante en el arte si no está inspirada por el pensamiento. La imagen artística del arte es tanto el resultado de la impresión como el producto del pensamiento.
VS Solovyov hizo un intento de "nombrar" lo que es bello en la naturaleza, de dar un nombre a la belleza. Dijo que la belleza de la naturaleza es la luz del sol, la luna, la luz astral, los cambios de luz durante el día y la noche, el reflejo de la luz en el agua, los árboles, la hierba y los objetos, el juego de luces de los relámpagos, el sol , la luna.
Estos fenómenos naturales evocan sentimientos estéticos, placer estético. Y aunque estos sentimientos también están conectados con el concepto de las cosas, por ejemplo, sobre una tormenta, sobre el universo, todavía se puede imaginar que las imágenes de la naturaleza en el arte son imágenes de impresiones sensoriales.
La impresión sensual, el disfrute irreflexivo de la belleza, incluida la luz de la luna, las estrellas, son posibles, y tales sentimientos pueden descubrir algo inusual una y otra vez, pero la imagen artística del arte incorpora una amplia gama de fenómenos espirituales, tanto sensuales como intelectual. En consecuencia, la teoría del arte no tiene por qué absolutizar ciertos fenómenos.
La esfera figurativa de una obra de arte se forma simultáneamente en muchos niveles diferentes de conciencia: sentimientos, intuición, imaginación, lógica, fantasía, pensamiento. La representación visual, verbal o sonora de una obra de arte no es una copia de la realidad, aunque sea óptimamente realista. La representación artística revela claramente su naturaleza secundaria, mediada por el pensamiento, como resultado de la participación del pensamiento en el proceso de creación de la realidad artística.
La imagen artística es el centro de gravedad, la síntesis de sentimiento y pensamiento, intuición e imaginación; la esfera figurativa del arte se caracteriza por el autodesarrollo espontáneo, que tiene varios vectores de condicionamiento: la “presión” de la vida misma, el “vuelo” de la fantasía, la lógica del pensamiento, la influencia mutua de las conexiones intraestructurales de la obra , las tendencias ideológicas y la dirección del pensamiento del artista.
La función del pensamiento también se manifiesta en el mantenimiento del equilibrio y la armonización de todos estos factores en conflicto. El pensamiento del artista trabaja sobre la integridad de la imagen y la obra. La imagen es el resultado de impresiones, la imagen es fruto de la imaginación y la fantasía del artista ya la vez producto de su pensamiento. Sólo en la unidad e interacción de todos estos aspectos surge un fenómeno artístico específico.
En virtud de lo dicho, es claro que la imagen es relevante y no idéntica a la vida. Y puede haber un número infinito de imágenes artísticas de la misma esfera de objetividad.
Siendo un producto del pensamiento, la imagen artística es también el foco de la expresión ideológica del contenido.
Una imagen artística tiene sentido como “representante” de ciertos aspectos de la realidad, y en este sentido es más compleja y multifacética que el concepto como forma de pensamiento, en el contenido de la imagen es necesario distinguir entre los diversos ingredientes de significado El significado de una obra de arte hueca es complejo: un fenómeno "compuesto", el resultado del desarrollo artístico, es decir, el conocimiento, la experiencia estética y la reflexión sobre el material de la realidad. El significado no existe en la obra como algo aislado, descrito o expresado. "Fluye" de las imágenes y de la obra en su conjunto. Sin embargo, el sentido de la obra es producto del pensamiento y, por tanto, su especial criterio.
El significado artístico de la obra es el producto final del pensamiento creativo del artista. El significado pertenece a la imagen, por tanto el contenido semántico de la obra tiene un carácter específico, idéntico a sus imágenes.
Si hablamos del contenido de información de una imagen artística, entonces este no es solo un sentido que expresa certeza y su significado, sino también un sentido estético, emocional, entonativo. Todo esto se llama información redundante.
Una imagen artística es una idealización multilateral de un objeto material o espiritual, presente o imaginario, no es reducible a la unambigüedad semántica, no es idéntica a la información de signos.
La imagen incluye la inconsistencia objetiva de elementos de información, oposiciones y alternativas de significado, propios de la naturaleza de la imagen, ya que representa la unidad de lo general y lo individual. El significado y el significante, es decir, la situación del signo, sólo pueden ser un elemento de la imagen o un detalle de la imagen (una especie de imagen).
Dado que el concepto de información ha adquirido no solo un significado técnico y semántico, sino también un significado filosófico más amplio, una obra de arte debe interpretarse como un fenómeno específico de información. Esta especificidad se manifiesta, en particular, en el hecho de que el contenido figurativo-descriptivo, figurativo-tramático de una obra de arte como arte es informativo en sí mismo y como "receptáculo" de ideas.
Por lo tanto, la representación de la vida y la forma en que se representa está llena de significado en sí misma. Y el hecho de que el artista eligió ciertas imágenes, y el hecho de que por el poder de la imaginación y la fantasía les adjuntó elementos expresivos, todo esto habla por sí mismo, porque no solo es un producto de la fantasía y la habilidad, sino también un producto. del pensamiento del artista.
Una obra de arte tiene sentido en la medida en que refleja la realidad y en la medida en que lo reflejado es el resultado de pensar la realidad.
El pensamiento artístico en el arte tiene una variedad de áreas y la necesidad de expresar sus ideas de manera directa, desarrollando un lenguaje poético especial para tal expresión.
2 Medios para crear una imagen artística
La imagen artística, que posee una concreción sensual, se personifica como algo separado, único, en contraste con la imagen preartística, en la que la personificación tiene un carácter difuso, artísticamente subdesarrollado y, por lo tanto, carece de originalidad. La personificación en el pensamiento artístico y figurativo desarrollado es de fundamental importancia.
Sin embargo, la interacción artístico-figurativa de producción y consumo es de un carácter especial, ya que la creatividad artística es, en cierto sentido, también un fin en sí mismo, es decir, una necesidad espiritual y práctica relativamente independiente. No es casualidad que la idea de que el espectador, el oyente, el lector son, por así decirlo, cómplices del proceso creativo del artista, haya sido expresada a menudo tanto por teóricos como por practicantes del arte.
En la especificidad de las relaciones sujeto-objeto, en la percepción artístico-figurativa, se pueden distinguir al menos tres rasgos esenciales.
La primera es que la imagen artística, nacida como respuesta del artista a determinadas necesidades sociales, como diálogo con el público, en el proceso de educación adquiere vida en la cultura artística, independiente de este diálogo, ya que entra en relaciones cada vez más nuevas. diálogos, sobre las posibilidades de las que el autor no podía sospechar en el proceso de creatividad. Las grandes imágenes artísticas continúan viviendo como un valor espiritual objetivo no solo en la memoria artística de los descendientes (por ejemplo, como portador de tradiciones espirituales), sino también como una fuerza real y moderna que anima a una persona a la actividad social.
El segundo rasgo esencial de las relaciones sujeto-objeto inherentes a la imagen artística y expresado en su percepción es que la “bifurcación” en creación y consumo en el arte es distinta de la que se produce en el ámbito de la producción material. Si en la esfera de la producción material el consumidor trata solo con el producto de producción, y no con el proceso de creación de este producto, entonces en la creatividad artística, en el acto de percibir imágenes artísticas Participación activa recibe la influencia del proceso creativo. Cómo se logra el resultado en los productos de producción material es relativamente poco importante para el consumidor, mientras que en la percepción artístico-figurativa es sumamente significativo y constituye uno de los puntos principales del proceso artístico.
Si en la esfera de la producción material los procesos de creación y consumo son relativamente independientes, como una cierta forma de vida de las personas, entonces es absolutamente imposible separar la producción artística figurativa y el consumo sin comprometer la comprensión de las especificidades del arte. Hablando de esto, debe tenerse en cuenta que el ilimitado potencial artístico y figurativo se revela solo en el proceso histórico de consumo. No puede agotarse sólo en el acto de percibir directamente el "uso único".
También hay un tercero característica específica relaciones sujeto-objeto inherentes a la percepción de una imagen artística. Su esencia se reduce a lo siguiente: si en el proceso de consumo de productos de producción material, la percepción de los procesos de esta producción no es necesaria y no determina el acto de consumo, entonces en el arte el proceso de creación artística las imágenes, por así decirlo, "cobran vida" en el proceso de su consumo. Esto es más obvio en aquellos tipos de creatividad artística que están asociados con la actuación. Hablamos de la música, del teatro, es decir, de aquellos tipos de arte en los que la política en cierta medida es testigo del acto creativo. De hecho, esto está presente de diversas formas en todo tipo de arte, en unos es más, y en otros es menos evidente y se expresa en la unidad de qué y cómo comprende una obra de arte. A través de esta unidad, el público percibe no solo la habilidad del intérprete, sino también el poder directo de la influencia artística y figurativa en su significado significativo.
Una imagen artística es una generalización que se revela en una forma concreto-sensual y es esencial para una serie de fenómenos. La dialéctica de lo universal (típico) y lo individual (individual) en el pensamiento corresponde a su interpenetración dialéctica en la realidad. En el arte, esta unidad no se expresa en su universalidad, sino en su singularidad: lo general se manifiesta en lo individual ya través de lo individual. La representación poética es figurativa y muestra no una esencia abstracta, no una existencia accidental, sino un fenómeno en el que, a través de su apariencia, de su individualidad, se conoce lo sustancial. En una de las escenas de la novela de Tolstoi "Anna Karenina", Karenin quiere divorciarse de su esposa y acude a un abogado. Una conversación confidencial tiene lugar en una acogedora oficina, alfombrada. De repente, una polilla vuela por la habitación. Y aunque la historia de Karenin se refiere a las circunstancias dramáticas de su vida, el abogado ya no escucha nada, es importante para él atrapar la polilla que amenaza sus alfombras. Un pequeño detalle conlleva una gran carga semántica: en su mayor parte, las personas son indiferentes entre sí, y las cosas son más valiosas para ellas que una persona y su destino.
El arte del clasicismo se caracteriza por la generalización: una generalización artística al resaltar y absolutizar una característica específica del héroe. El romanticismo se caracteriza por la idealización: la generalización a través de la encarnación directa de los ideales, imponiéndolos en el material real. La tipificación es inherente al arte realista: la generalización artística a través de la individualización a través de la selección de los rasgos esenciales de la personalidad. En el arte realista, cada persona representada es un tipo, pero al mismo tiempo una personalidad bien definida: un "extraño familiar".
El marxismo concede especial importancia al concepto de tipificación. Este problema fue planteado por primera vez por K. Marx y F. Engels en su correspondencia con F. Lassalle sobre su drama Franz von Sickingen.
En el siglo XX desaparecen las viejas ideas sobre el arte y la imagen artística, y también cambia el contenido del concepto de "tipificación".
Hay dos enfoques interrelacionados de esta manifestación de la conciencia artística y figurativa.
En primer lugar, la máxima aproximación a la realidad. Cabe destacar que el arte documental, como deseo de un reflejo detallado, realista y fidedigno de la vida, se ha convertido no sólo en una tendencia puntera en la cultura artística del siglo XX. El arte moderno ha perfeccionado este fenómeno, lo ha llenado de contenidos intelectuales y morales hasta ahora desconocidos, definiendo en gran medida la atmósfera artística y figurativa de la época. Cabe señalar que el interés por este tipo de convencionalidad figurativa no disminuye aún hoy. Esto se debe al asombroso éxito del periodismo, las películas de no ficción, fotografía artística, con la publicación de cartas, diarios, memorias de participantes en diversas eventos históricos.
En segundo lugar, el máximo fortalecimiento de la convencionalidad, y en presencia de una conexión muy tangible con la realidad. Este sistema de convenciones de la imagen artística implica poner en primer plano los aspectos integradores del proceso creativo, a saber: selección, comparación, análisis, que están en conexión orgánica con las características individuales del fenómeno. Por regla general, la tipificación presupone una mínima deformación estética de la realidad, razón por la cual en la historia del arte se dio a este principio el nombre de viviente, recreando el mundo “en las formas de la vida misma”.
Una antigua parábola india habla de unos ciegos que querían saber qué era un elefante y empezaron a palparlo. Uno de ellos agarró la pata del elefante y dijo: "El elefante es como un pilar"; otro palpó el vientre del gigante y decidió que el elefante era una jarra; el tercero tocó la cola y entendió: "El elefante es la cuerda de un barco"; el cuarto tomó la trompa en sus manos y declaró que el elefante es una serpiente. Sus intentos de comprender qué es un elefante no tuvieron éxito, porque no conocían el fenómeno como un todo y su esencia, sino sus partes constituyentes y propiedades aleatorias. Un artista que eleva los rasgos de la realidad a un típico rasgo fortuito actúa como un ciego que confundió un elefante con una cuerda solo porque no podía agarrar nada más que la cola. Un verdadero artista capta la característica, lo esencial en los fenómenos. El arte es capaz, sin romper con la naturaleza concreto-sensorial de los fenómenos, de hacer amplias generalizaciones y de crear un concepto del mundo.
La tipificación es una de las principales regularidades de la exploración artística del mundo. En gran parte gracias a la generalización artística de la realidad, la identificación de los fenómenos característicos, esenciales en la vida, el arte se convierte en un poderoso medio de comprensión y transformación del mundo. imagen artística de Shakespeare
La imagen artística es la unidad de lo racional y lo emocional. La emotividad es un fundamento históricamente temprano de la imagen artística. Los antiguos indios creían que el arte nacía cuando una persona no podía reprimir sus abrumadores sentimientos. La leyenda sobre el creador del Ramayana cuenta cómo el sabio Valmiki caminó por un sendero del bosque. En la hierba vio a dos aves zancudas llamándose suavemente el uno al otro. De repente apareció un cazador y atravesó a uno de los pájaros con una flecha. Abrumado por la ira, el dolor y la compasión, Valmiki maldijo al cazador, y las palabras que escapaban de su corazón rebosante de sentimientos se convirtieron en una estrofa poética con la métrica ahora canónica "sloka". Fue con este verso que el dios Brahma ordenó posteriormente a Valmiki que cantara las hazañas de Rama. Esta leyenda explica el origen de la poesía a partir de un discurso emocionalmente rico, agitado y ricamente entonado.
Para crear una obra perdurable, no solo es importante una amplia cobertura de la realidad, sino también una temperatura mental y emocional suficiente para derretir las impresiones del ser. Una vez, al moldear una figura de un condotiero de plata, el escultor italiano Benvenuto Cellini encontró un obstáculo inesperado: cuando se vertió el metal en el molde, resultó que no había suficiente. El artista se dirigió a sus conciudadanos, y ellos trajeron cucharas, tenedores, cuchillos y bandejas de plata a su taller. Cellini comenzó a arrojar este utensilio al metal fundido. Cuando se completó el trabajo, una hermosa estatua apareció ante los ojos de los espectadores, sin embargo, el mango de un tenedor sobresalía de la oreja del jinete y un trozo de cuchara de la grupa del caballo. Mientras la gente del pueblo transportaba los utensilios, la temperatura del metal vertido en el molde bajó ... Si la temperatura mental-emocional no es suficiente para fundir el material vital en un todo único (realidad artística), entonces sobresalen los "tenedores". de la obra, con la que tropieza el que percibe el arte.
Lo principal en la cosmovisión es la actitud de una persona hacia el mundo y, por lo tanto, está claro que no es solo un sistema de puntos de vista e ideas, sino el estado de la sociedad (clase, grupo social, nación). La cosmovisión como horizonte especial de la reflexión pública del mundo por parte del hombre se relaciona con la conciencia pública como el público con lo general.
La actividad creativa de cualquier artista depende de su visión del mundo, es decir, su actitud conceptualmente formalizada ante diversos fenómenos de la realidad, incluido el ámbito de las relaciones entre diversos grupos sociales. Pero esto ocurre sólo en proporción al grado de participación de la conciencia en el proceso creativo como tal. Al mismo tiempo, el área inconsciente de la psique del artista también juega aquí un papel importante. Los procesos intuitivos inconscientes, por supuesto, juegan un papel importante en la conciencia artístico-figurativa del artista. Esta conexión fue enfatizada por G. Schelling: "El arte ... se basa en la identidad de la actividad consciente e inconsciente".
La cosmovisión del artista como vínculo mediador entre él mismo y la conciencia pública del grupo social contiene un momento ideológico. Y dentro de la misma conciencia individual, la visión del mundo, por así decirlo, se eleva en algunos niveles emocionales y psicológicos: visión del mundo, visión del mundo, visión del mundo. La cosmovisión es más un fenómeno ideológico, mientras que la cosmovisión tiene una naturaleza sociopsicológica, que contiene aspectos históricos tanto universales como concretos. La cosmovisión se incluye en el área de la conciencia cotidiana e incluye mentalidades, gustos y disgustos, intereses e ideales de una persona (incluido un artista). Juega papel especial en el trabajo creativo, ya que es solo en él que el autor realiza su visión del mundo con su ayuda, proyectándola en el material artístico y figurativo de sus obras.
La naturaleza de ciertos tipos de arte determina el hecho de que en algunos de ellos el autor logra plasmar su cosmovisión solo a través de su cosmovisión, mientras que en otros la cosmovisión entra directamente en el tejido de las obras de arte que crean. Por lo tanto, la creatividad musical puede expresar la cosmovisión del sujeto de la actividad productiva solo indirectamente, a través del sistema de imágenes musicales creado por él. En literatura, el autor-artista tiene la oportunidad, con la ayuda de la palabra, dotada por su propia naturaleza con la capacidad de generalizar, de expresar más directamente sus ideas y puntos de vista sobre varios aspectos de los fenómenos representados de la realidad.
Para muchos artistas del pasado, la contradicción entre la visión del mundo y la naturaleza de su talento fue característica. Así que M. F. Dostoievski, en su opinión, era un monárquico liberal, además, claramente gravitaba hacia la resolución de todas las úlceras de la sociedad contemporánea a través de su curación espiritual con la ayuda de la religión y el arte. Pero al mismo tiempo, el escritor resultó ser el dueño del talento artístico realista más raro. Y esto le permitió crear muestras insuperables de las imágenes más veraces de las contradicciones más dramáticas de su época.
Pero en épocas de transición, la perspectiva misma de la mayoría de los artistas, incluso de los más talentosos, resulta ser internamente contradictoria. Por ejemplo, las opiniones sociopolíticas de L.N. Tolstoi combinó extrañamente las ideas del socialismo utópico, que incluían críticas a la sociedad burguesa y búsquedas y consignas teológicas. Además, la cosmovisión de una serie de grandes artistas, bajo la influencia de los cambios en la situación sociopolítica de sus países, puede sufrir, a veces, un desarrollo muy complejo. Así, el camino de evolución espiritual de Dostoievski fue muy difícil y complicado: del socialismo utópico de los años 40 al monarquismo liberal de los años 60-80 del siglo XIX.
Las razones de la inconsistencia interna de la cosmovisión del artista radican en la heterogeneidad de sus partes constituyentes, en su relativa autonomía y en la diferencia en su significado para el proceso creativo. Si para un científico natural, debido a la naturaleza de su actividad, los componentes de historia natural de su cosmovisión son de importancia decisiva, entonces para un artista, sus puntos de vista y creencias estéticas son lo primero. Además, el talento del artista está directamente relacionado con su convicción, es decir, con "emociones intelectuales" que se han convertido en motivos para crear imágenes artísticas duraderas.
La conciencia artística y figurativa contemporánea debe ser antidogmática, es decir, caracterizada por un rechazo decidido a cualquier tipo de absolutización de un solo principio, actitud, formulación, evaluación. Ninguna de las opiniones y declaraciones más autorizadas debe ser deificada, convertirse en la verdad última, convertirse en estándares y estereotipos artísticos y figurativos. La elevación del enfoque dogmático al “imperativo categórico” de la creatividad artística absolutiza inevitablemente la confrontación de clases, que en un contexto histórico concreto termina por resultar en la justificación de la violencia y exagera su rol semántico no solo en la teoría, sino también en la práctica artística. La dogmatización del proceso creativo se manifiesta también cuando determinados métodos y actitudes adquieren el carácter de única verdad artística posible.
La estética doméstica moderna también necesita deshacerse del epigonismo que la ha caracterizado durante muchas décadas. Deshacerse del método de citar interminablemente a los clásicos sobre cuestiones de especificidad artística y figurativa, de la percepción acrítica de los puntos de vista, juicios y conclusiones de otras personas, incluso los más tentadoramente convincentes, y esforzarse por expresar sus propios puntos de vista personales. y creencias, es necesario para cualquier y todo investigador moderno, si quiere ser un verdadero científico, y no un funcionario en un departamento científico, no un funcionario al servicio de alguien o algo. En la creación de obras de arte, el epigonismo se manifiesta en la adhesión mecánica a los principios y métodos de cualquier escuela de arte, dirección, sin tener en cuenta la situación histórica cambiada. Mientras tanto, el epigonismo no tiene nada que ver con un desarrollo verdaderamente creativo de la herencia y las tradiciones artísticas clásicas.
Así, el pensamiento estético mundial ha formulado varios matices del concepto de "imagen artística". En la literatura científica se pueden encontrar características de este fenómeno como "misterio del arte", "célula de arte", "unidad de arte", "formación de imágenes", etc. Sin embargo, independientemente de los epítetos que se adjudiquen a esta categoría, debe recordarse que la imagen artística es la esencia del arte, una forma significativa que es inherente a todos sus tipos y géneros.
La imagen artística es la unidad de lo objetivo y lo subjetivo. La imagen incluye el material de la realidad, procesado por la imaginación creadora del artista, su actitud hacia lo representado, así como toda la riqueza de la personalidad y del creador.
En el proceso de creación de una obra de arte, el artista como persona actúa como sujeto de la creatividad artística. Si hablamos de percepción artístico-figurativa, entonces la imagen artística creada por el creador actúa como objeto, y el espectador, oyente, lector es el sujeto. relación dada.
El artista piensa en imágenes, cuya naturaleza es concretamente sensual. Esto vincula las imágenes del arte con las formas de la vida misma, aunque esta relación no puede tomarse literalmente. Formas tales como una palabra artística, un sonido musical o un conjunto arquitectónico no existen ni pueden existir en la vida misma.
Un componente importante que forma la estructura de la imagen artística es la visión del mundo del tema de la creatividad y su papel en la práctica artística. Cosmovisión: un sistema de puntos de vista sobre el mundo objetivo y el lugar de una persona en él, sobre la actitud de una persona hacia la realidad que lo rodea y hacia sí mismo, así como las posiciones básicas de vida de las personas, sus creencias, ideales, principios de conocimiento y actividad. , determinado por estos puntos de vista, orientaciones de valor. Al mismo tiempo, la mayoría de las veces se cree que la visión del mundo de los diferentes estratos de la sociedad se forma como resultado de la difusión de la ideología, en el proceso de transformación del conocimiento de los representantes de un estrato social particular en creencias. La cosmovisión debe ser considerada como el resultado de la interacción de la ideología, la religión, la ciencia y la psicología social.
Una característica muy significativa e importante de la conciencia artística y figurativa moderna debería ser el dialogismo, es decir, un enfoque en el diálogo continuo, que tiene la naturaleza de polémicas constructivas, discusiones creativas con representantes de cualquier escuela de arte, tradiciones y métodos. La constructividad del diálogo debe consistir en el continuo enriquecimiento espiritual de las partes que debaten, ser creativo, de naturaleza verdaderamente dialógica. La existencia misma del arte está condicionada por el eterno diálogo entre el artista y el destinatario (espectador, oyente, lector). El contrato que los vincula es indisoluble. La imagen artística recién nacida es una nueva edición, nueva forma diálogo. El artista paga completamente su deuda con el destinatario cuando le da algo nuevo. Hoy, más que nunca, el artista tiene la oportunidad de decir algo nuevo y de una manera nueva.
Todas las direcciones anteriores en el desarrollo del pensamiento artístico y figurativo deben conducir a la afirmación del principio del pluralismo en el arte, es decir, la afirmación del principio de coexistencia y complementariedad de los múltiples y más diversos, incluidos los puntos de vista y opiniones en conflicto. posiciones, puntos de vista y creencias, tendencias y escuelas, movimientos y enseñanzas.
2. Característica de las imágenes artísticas en el ejemplo de las obras de W. Shakespeare.
2.1 Características de las imágenes artísticas de W. Shakespeare
Las obras de W. Shakespeare se estudian en las lecciones de literatura en los grados 8 y 9 de la escuela secundaria. En el grado 8, los estudiantes estudian Romeo y Julieta, en el grado 9 estudian los sonetos de Hamlet y Shakespeare.
Las tragedias de Shakespeare son un ejemplo de "resolución clásica de conflictos en una forma de arte romántico" entre la Edad Media y los tiempos modernos, entre el pasado feudal y el mundo burgués emergente. Los personajes de Shakespeare son "interiormente coherentes, fieles a sí mismos ya sus pasiones, y en todo lo que les sucede se comportan de acuerdo con su firme certeza".
Los héroes de Shakespeare "cuentan solo con ellos mismos, individuos", se fijan un objetivo que es "dictado" solo por "su propia individualidad", y lo llevan a cabo "con una inquebrantable consistencia de pasión, sin reflejos secundarios". En el centro de cada tragedia está este tipo de personaje, y alrededor de él hay otros menos prominentes y enérgicos.
En las obras modernas, el personaje de buen corazón cae rápidamente en la desesperación, pero el drama no lo lleva a la muerte ni siquiera en peligro, lo que deja a la audiencia muy complacida. Cuando la virtud y el vicio se oponen en el escenario, ella debe triunfar y él debe ser castigado. En Shakespeare, el héroe muere "precisamente como resultado de una fidelidad resuelta a sí mismo ya sus objetivos", lo que se denomina el "desenlace trágico".
El lenguaje de Shakespeare es metafórico, y su héroe está por encima de su "dolor", o "mala pasión", incluso "vulgaridad ridícula". Cualesquiera que sean los personajes de Shakespeare, son hombres de "un libre poder de imaginación y un espíritu de genio... su pensamiento los coloca por encima de lo que son en su posición y sus objetivos específicos". Pero, en busca de un "análogo de la experiencia interior", este héroe "no siempre está libre de excesos, a veces torpe".
El humor de Shakespeare también es maravilloso. Aunque sus imágenes cómicas están "sumergidas en su vulgaridad" y "no les faltan chistes planos", al mismo tiempo "muestran inteligencia". Su "genio" podría convertirlos en "grandes personas".
Un punto esencial del humanismo de Shakespeare es la comprensión del hombre en movimiento, en desarrollo, en devenir. Esto también determina el método de caracterización artística del héroe. Este último en Shakespeare siempre se muestra no en un estado inmóvil congelado, no en la calidad estatuaria de una instantánea, sino en movimiento, en la historia de una persona. El dinamismo profundo distingue el concepto ideológico y artístico del hombre en Shakespeare y el método de representación artística del hombre. Por lo general, el héroe del dramaturgo inglés es diferente en diferentes fases de la acción dramática, en diferentes actos y escenas.
El hombre en Shakespeare se muestra en la plenitud de sus posibilidades, en la perspectiva creadora plena de su historia, de su destino. En Shakespeare, es esencial no solo mostrar a una persona en su movimiento creativo interno, sino también mostrar la dirección misma del movimiento. Esta dirección es la revelación más alta y completa de todos los potenciales de una persona, todas sus fuerzas internas. Esta dirección: en algunos casos, hay un renacimiento de una persona, su crecimiento espiritual interno, el ascenso del héroe a una etapa superior de su ser (el Príncipe Enrique, el Rey Lear, Próspero, etc.). ("King Lear" de Shakespeare es estudiado por estudiantes en el grado 9 en actividades extracurriculares).
"No hay nadie a quien culpar en el mundo", proclama King Lear después de los tumultuosos cambios de su vida. En Shakespeare, esta frase significa una profunda conciencia de la injusticia social, la responsabilidad de todo el sistema social por el incontable sufrimiento de los pobres Toms. En Shakespeare, este sentido de responsabilidad social, en el contexto de las experiencias del héroe, abre una amplia perspectiva para el crecimiento creativo del individuo, su último renacimiento moral. Para él, esta idea sirve como plataforma para afirmar mejores cualidades su héroe, para afirmar su sustancialidad heroicamente personal. Con todos los ricos cambios y transformaciones multicolores de la personalidad de Shakespeare, el núcleo heroico de esta personalidad es inquebrantable. La dialéctica trágica de la personalidad y el destino en Shakespeare conduce a la claridad y claridad de su idea positiva. En el "Rey Lear" de Shakespeare el mundo se derrumba, pero el hombre mismo vive y cambia, y con él el mundo entero. El desarrollo, el cambio cualitativo en Shakespeare se distingue por su plenitud y diversidad.
Shakespeare posee un ciclo de 154 sonetos, publicado (sin el conocimiento y consentimiento del autor) en 1609, pero aparentemente escrito ya en la década de 1590 y que fue uno de los ejemplos más brillantes de las letras de Europa Occidental del Renacimiento. La forma que logró hacerse popular entre los poetas ingleses bajo la pluma de Shakespeare brilló con nuevas facetas, acomodando una amplia gama de sentimientos y pensamientos, desde experiencias íntimas hasta profundas reflexiones filosóficas y generalizaciones.
Durante mucho tiempo, los investigadores han llamado la atención sobre la estrecha conexión entre los sonetos y la dramaturgia de Shakespeare. Esta conexión se manifiesta no sólo en la fusión orgánica de lo lírico con lo trágico, sino también en el hecho de que las ideas pasionales que inspiran las tragedias de Shakespeare viven en sus sonetos. Como en las tragedias, Shakespeare toca en sonetos los problemas fundamentales del ser que han preocupado a la humanidad desde siempre, habla de la felicidad y del sentido de la vida, de la relación entre el tiempo y la eternidad, de la fragilidad de la belleza humana y de su grandeza, sobre el arte que puede vencer el inexorable correr del tiempo. , sobre la alta misión del poeta.
El tema eterno e inagotable del amor, uno de los centrales de los sonetos, está estrechamente entrelazado con el tema de la amistad. En el amor y la amistad, el poeta encuentra una verdadera fuente de inspiración creativa, sin importar si le traen alegría y dicha o las punzadas de los celos, la tristeza y la angustia mental.
En la literatura del Renacimiento, el tema de la amistad, especialmente la amistad masculina, ocupa un lugar importante: es considerada como la más alta manifestación de la humanidad. En tal amistad, los dictados de la mente se combinan armoniosamente con una inclinación espiritual, libre del principio sensual.
La imagen del Amado en Shakespeare es enfáticamente poco convencional. Si en los sonetos de Petrarca y sus seguidores ingleses se solía cantar la belleza angelical de cabellos dorados, orgullosa e inaccesible, Shakespeare, por el contrario, dedica celosos reproches a la morena morena, inconsistente, obedeciendo solo a la voz de la pasión.
El leitmotiv del dolor sobre la fragilidad de todo lo terrenal, pasando por todo el ciclo, la imperfección del mundo, claramente percibida por el poeta, no viola la armonía de su visión del mundo. La ilusión de la dicha en el más allá le es ajena: ve la inmortalidad humana en la gloria y la descendencia, y le aconseja a un amigo que vea su juventud renacer en niños.
Conclusión
Así, una imagen artística es un reflejo artístico generalizado de la realidad, revestida bajo la forma de un fenómeno individual específico. La imagen artística es diferente: accesibilidad para la percepción directa e impacto directo en los sentimientos humanos.
Cualquier imagen artística no es completamente concreta, los puntos de ajuste claramente fijados están investidos en ella con el elemento de certeza incompleta, semiapariencia. Se trata de una cierta "insuficiencia" de la imagen artística en comparación con la realidad de un hecho de la vida (el arte se esfuerza por convertirse en realidad, pero rompe con sus propios límites), pero también una ventaja que asegura su ambigüedad en un conjunto de interpretaciones complementarias, cuyo límite lo pone únicamente la acentuación aportada por el artista.
La forma interior de la imagen artística es personal, lleva una huella indeleble del ideario del autor, de su iniciativa aisladora y transformadora, por lo que la imagen aparece como una realidad humana apreciada, un valor cultural entre otros valores, una expresión de tendencias e ideales relativos. Pero como un “organismo” formado según el principio de la revitalización visible del material, desde el punto de vista del arte, la imagen artística es una arena de la acción última de armonizar estéticamente las leyes del ser, donde no hay “infinidad mala”. ” y un final injustificado, donde el espacio es visible, y el tiempo reversible, donde el azar no es absurdo, y la necesidad no es gravosa, donde la claridad triunfa sobre la inercia. Y en esta naturaleza, el valor artístico pertenece no sólo al mundo de los valores socioculturales relativos, sino también al mundo de los valores de la vida, conocidos a la luz del sentido eterno, al mundo de las posibilidades ideales de vida de nuestro Universo humano. Por tanto, un supuesto artístico, a diferencia de una hipótesis científica, no puede ser descartado por innecesario y sustituido por otro, aunque parezcan evidentes las limitaciones históricas de su creador.
Ante el poder inspirador de la asunción artística, tanto la creatividad como la percepción del arte están siempre asociadas a un riesgo cognitivo y ético, y al momento de evaluar una obra de arte, es igualmente importante: someterse a la intención del autor, recrear el objeto estético. en su integridad orgánica y en su autojustificación y, sin someterse por completo a esta intención, conservar la libertad del propio punto de vista, proporcionada por la vida real y la experiencia espiritual.
Al estudiar obras individuales de Shakespeare, el maestro debe llamar la atención de los estudiantes sobre las imágenes que creó, citar textos y sacar conclusiones sobre la influencia de dicha literatura en los sentimientos y acciones de los lectores.
Para concluir, queremos enfatizar una vez más que las imágenes artísticas de Shakespeare tienen un valor eterno y siempre serán relevantes, sin importar el tiempo y el lugar, porque en sus obras plantea preguntas eternas que siempre han preocupado y preocupado a toda la humanidad: cómo lidiar con el mal, ¿qué significa y es posible vencerlo? ¿Vale la pena vivir si la vida está llena de maldad y es imposible vencerla? ¿Qué es verdad en la vida y qué es falso? ¿Cómo pueden distinguirse los verdaderos sentimientos de los falsos? ¿Puede el amor ser eterno? ¿Cuál es el significado de la vida humana?
Nuestro estudio confirma la relevancia del tema elegido, tiene una orientación práctica y puede recomendarse a estudiantes de instituciones educativas pedagógicas en el marco de la asignatura "Enseñanza de la literatura en la escuela".
Bibliografía
1. Hegel. Conferencias sobre estética. - Obras, tomo XIII. art. 392.
Monrose LA Estudio del Renacimiento: Poética y Política de la Cultura // Nueva Revista Literaria. - Nº 42. - 2000.
Rango O. Estética y psicología de la creación artística // Otros bancos. - Nº 7. - 2004. S. 25.
Hegel. Conferencias sobre estética. - Obras, tomo XIII. art. 393.
Kaganovich S. Nuevos enfoques para el análisis escolar del texto poético // Didáctica de la Literatura. - Marzo 2003. Pág. 11.
Kirilova A. V. culturología. Manual metódico para estudiantes de la especialidad "Servicio sociocultural y turismo" de la modalidad de educación por correspondencia. - Novosibirsk: NSTU, 2010. - 40 p.
Zharkov AD Teoría y tecnología de las actividades culturales y de ocio: Libro de texto / A.D. Zharkov. - M.: Editorial MGUKI, 2007. - 480 p.
Tikhonovskaya G. S. Tecnologías del director de escena para la creación de programas culturales y de ocio: Monografía. - M.: Editorial MGUKI, 2010. - 352 p.
Kutuzov A. V. Culturología: libro de texto. prestación. Parte 1 / AV Kutúzov; GOU VPO RPA del Ministerio de Justicia de Rusia, rama Noroeste (San Petersburgo). - M.; San Petersburgo: GOU VPO RPA del Ministerio de Justicia de Rusia, 2008. - 56 p.
Estilística de la lengua rusa. Kozhina M.N., Duskaeva L.R., Salimovsky V.A. (2008, 464 págs.)
Belyaeva N. Shakespeare. "Hamlet": problemas del héroe y el género // Enseñanza de la Literatura. - Marzo 2002. S. 14.
Ivanova S. Sobre el enfoque de actividad en el estudio de la tragedia de Shakespeare "Hamlet" // Voy a una lección de literatura. - Agosto 2001. S. 10.
Kireev R. Around Shakespeare // Enseñanza de la literatura. - Marzo 2002. S. 7.
Kuzmina N. "¡Te amo, la integridad del soneto! ..." // Voy a una lección de literatura. - Noviembre 2001. S. 19.
Enciclopedia de Shakespeare / Ed. S. pozos. - M.: Raduga, 2002. - 528 p.
Tutoría
¿Necesitas ayuda para aprender un tema?
Nuestros expertos le asesorarán o brindarán servicios de tutoría en temas de su interés.
Presentar una solicitud indicando el tema ahora mismo para informarse sobre la posibilidad de obtener una consulta.
IMAGEN ARTÍSTICA - uno de los términos más importantes de la estética y la historia del arte, que sirve para indicar la conexión entre la realidad y el arte y expresa de manera más concentrada las especificidades del arte en su conjunto. Una imagen artística suele definirse como una forma o medio de reflejar la realidad en el arte, una característica de la cual es la expresión de una idea abstracta en una forma sensual específica. Tal definición hace posible destacar los detalles del pensamiento artístico y figurativo en comparación con otras formas principales de actividad mental.
Una obra verdaderamente artística siempre se distingue por la gran profundidad de pensamiento, la trascendencia de los problemas planteados. En forma artística, Herramienta esencial reflejos de la realidad, se concentran los criterios de veracidad y realismo del arte. Al conectar el mundo real y el mundo del arte, la imagen artística, por un lado, nos brinda la reproducción de pensamientos, sentimientos, experiencias reales y, por otro lado, lo hace con la ayuda de medios convencionales. La veracidad y la convencionalidad coexisten en la imagen. Por lo tanto, no solo las obras de los grandes artistas realistas se distinguen por una imaginería artística vívida, sino también aquellas que están completamente construidas sobre la ficción ( cuento popular, historia de fantasía, etc.). La imaginería se derrumba y desaparece cuando el artista copia servilmente los hechos de la realidad, o cuando elude por completo la representación de los hechos y, por lo tanto, rompe la conexión con la realidad, concentrándose en la reproducción de sus diversos estados subjetivos.
Así, como resultado del reflejo de la realidad en el arte, la imagen artística es producto del pensamiento del artista, pero el pensamiento o idea contenida en la imagen tiene siempre una expresión sensorial concreta. Las imágenes se denominan tanto dispositivos expresivos separados, metáforas, comparaciones y estructuras integrales (personajes, personajes, la obra como un todo, etc.). Pero más allá de esto, también hay un sistema figurativo de direcciones, estilos, maneras, etc. (imágenes del arte medieval, del Renacimiento, del Barroco). Una imagen artística puede ser parte de una obra de arte, pero también puede igualarla e incluso superarla.
Es especialmente importante establecer la relación entre la imagen artística y la obra de arte. A veces se consideran en términos de relaciones de causa y efecto. En este caso, la imagen artística actúa como algo derivado de una obra de arte. Si una obra de arte es una unidad de material, forma, contenido, es decir, todo lo que un artista trabaja para lograr un efecto artístico, entonces la imagen artística se entiende solo como un resultado pasivo, un resultado fijo de la actividad creativa. Mientras tanto, el aspecto de actividad es igualmente inherente tanto a una obra de arte como a una imagen artística. Trabajando en una imagen artística, el artista a menudo supera las limitaciones de la idea original y, a veces, del material, es decir, la práctica del proceso creativo hace sus propias correcciones en el núcleo mismo de la imagen artística. El arte del maestro aquí se fusiona orgánicamente con la cosmovisión, el ideal estético, que son la base de la imagen artística.
Las principales etapas, o niveles, de formación de una imagen artística son:
Intención de imagen
Obra de arte
Imagen-percepción.
Cada uno de ellos da testimonio de un cierto estado cualitativo en el desarrollo del pensamiento artístico. Entonces, el curso posterior del proceso creativo depende en gran medida de la idea. Es aquí donde se produce la “iluminación” del artista, cuando la obra futura se le aparece “de repente” en sus rasgos principales. Por supuesto, este es un diagrama, pero el diagrama es visual y figurativo. Se ha establecido que la imagen-diseño juega un papel igualmente importante y necesario en el proceso creativo tanto del artista como del científico.
La siguiente etapa está relacionada con la concreción del concepto de imagen en el material. Convencionalmente, se le llama imagen-obra. Este es un nivel tan importante del proceso creativo como la idea. Aquí comienzan a operar las regularidades asociadas a la naturaleza del material, y sólo aquí la obra cobra existencia real.
La última etapa en la que operan sus propias leyes es la etapa de percepción de una obra de arte. Aquí la imaginería no es más que la capacidad de recrear, de ver en el material (en color, sonido, palabra) el contenido ideológico de una obra de arte. Esta capacidad de ver y experimentar requiere esfuerzo y preparación. Hasta cierto punto, la percepción es co-creación, cuyo resultado es una imagen artística que puede emocionar y conmocionar profundamente a una persona, al mismo tiempo que tiene un gran impacto educativo en ella.